Kända målarklänningar, med vilka man kan bedöma hur tidens mode var

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Sedan urminnes tider har konst och mode påverkat varandra och tvingat kritiker och fashionistas att noga följa nya trender som snabbt ersätter varandra. Och medan vissa utvärderade bilden vad gäller tekniska egenskaper, sprang andra till skräddarna för att snart få en klänning exakt som hjältinnornas avbildade på dukarna.

1. Renässans

Renässansen var en tid för kulturell och konstnärlig väckelse då klassicismen gjorde en revolutionär återgång till europeiska samhällen. Men denna period såg också betydande förändringar i mode. Se hur kända klänningar i målningar påverkade mode under renässansen.

"Porträtt av Arnolfini -paret" av Jan van Eyck är en av huvudelementen i studiet av tyg i porträttmålning. Kvinnans smaragdgröna ullplagg och hermelinfodrade ärmar visar familjestatus, eftersom bara de rika hade råd med denna typ av tyg. Ull, siden, sammet och päls var sällsynta och dyrare att tillverka än bomull eller linne, och var en symbol för status och rikedom. En av de mest kontroversiella frågorna kring målningen är om kvinnan som avbildas (förmodligen Arnolfinis fru) är gravid. Renässanskjolar var så frodiga och tunga att kvinnor lyfte upp dem för att göra det lättare att röra sig.

De extra kurviga vecken på klänningen visar också en trend mot att avbilda kvinnor med en uttalad mage, eftersom det antydde att de skulle få barn under äktenskapet. Ett annat exempel på detta är Les Très Riches Heures du Duc de Berry av Limburg -bröderna. I båda bilderna avbildas kvinnor med mer rundade mage. The Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry skildrar ett bröllop, och det är jämförbart med porträttet av Arnolfini, eftersom båda kvinnorna projicerar en bild av moderskap i väntan på graviditet. Utan att titta på tavlan från ett modernt perspektiv kan man se den som en förteckning över vad kvinnorna hade på sig och vad som var viktigt för människor att visa för andra.

2. Barock- och rokokotiderna

Barock- och rokokotiden präglas av utsökt inredning, dekadens och lekfullhet. Dessa tendenser manifesterade sig inte bara i konst, utan också på mode genom invecklade prydnader och lyxiga klänningar. Ta en titt på några av de berömda konstinspirerade klänningarna.

En okänd konstnärs uppmärksamhet på detaljer och klädsel är det som gör Elizabeth Clark Frick (Mrs. John Frick) och Little Mary till en viktig skiva av New England Puritans. I detta utseende bär Elizabeth fina amerikanska tyger och tillbehör från 1600 -talet. Hennes vita spetskrage indikerar den populära europeiska spetsar som finns bland aristokratiska kvinnor. En guldbroderad sammetunderkläder syns under hennes klänning och band pryder ärmarna. En kvinna har också smycken: ett pärlhalsband, en guldring och ett granatarmband, som i sin tur talar om status och välstånd. Denna målning erbjuder ett unikt perspektiv på det puritanska livet för Elizabeth och hennes familj.

Det är också värt att notera det faktum att konstnären mästerligt lyckades blanda bilder av rikedom i en blygsam miljö. Målningen visar tydligt Elizabeths rikedom och belyser hennes finaste kläder och smycken. Det återspeglar också rikedomen hos hennes man, John Frick, som hade råd att uppfylla sin frus varje infall genom att köpa henne olika slags kläder och smycken. Dessutom symboliserar bilden deras puritanska inställning till tacksamhet till Gud, för utan hans välsignelse hade de inte kunnat ha en sådan lyx.

The Swing av Jean-Honore Fragonard är ett exempel på rokokostilen i franska aristokratiska kretsar. Målningen beställdes privat när en fransk hovman bad konstnären att måla sitt eget porträtt och hans älskarinna. Trots att målningen hölls bakom stängda dörrar avslöjar den lyxen, lättsinnet och den hemliga karaktären hos det franska kungliga hovet.

Den pastellrosa klänningen sticker ut bland den grönskande trädgården och är centrum för uppmärksamhet. Jean målade klänningen med lösa penseldrag som efterliknar de breda kjolarna och rufsiga klänningen i hennes klänning. Hans lösa pensel matchar tomten i denna idylliska trädgårdsscen fylld med flirtiga och nyckfulla bilder.

Hans målning visar också trenderna i den franska domstolen för mode. Rokoko överskred mode, konst och arkitektur för att skapa något unikt franskt. Rokokomode inkluderade de mest lyxiga tygerna, inklusive pastellfärgade sidor, sammet, spets- och blommönster, samt en överdriven mängd rosetter, pärlor, krusiduller och prydnadsdekorationer för att skapa en look som hovmän och gäster skulle krypa ihop på. har sina huvuden. Stil definierade skillnaden mellan fattiga och rika, eftersom aristokratin hade råd med lyxen av utsökta tyger och prydnadsföremål. För kvinnor som bär dessa rokokoinspirerade kläder är målningen symbolen för det franska kungliga hovet före revolutionen.

3. Kända klänningar i målningarna från XIX -talet

På 1800 -talet skedde ett konstnärligt skifte från nyklassicism till tidig modernism, vilket gav vika för stilar och tankeställningar. Detta århundrade såg också en förändring i mode. Läs vidare för att se hur målningarna påverkade framväxten av kända klänningar och stilar som var märkbart mer moderna än tidigare.

Art for Art blev associerat med Symphony in White No. 1 av James Abbott McNeill Whistler, som avsåg att ge målningen en andlig mening. Kritikerna såg dock inte allt detta, eftersom målningen skildrade konstnärens älskarinna, klädd i en ljus vit klänning. Som ett resultat blev detta porträtt skandalöst. Under 1800 -talet inkluderade damkläder ofta en krinolinunderkläder av stål. Kvinnor bar också korsetter bland en mängd andra underkläder för att kunna skapa bredare kjolar.

"Kvinnan i vitt" är den fullständiga motsatsen till vad som var modernt och högprofilerat vid den tiden. Huvudkaraktärens klänning på bilden var ett slags underkläder som antingen en man eller en älskare kunde se, eftersom man trodde att sådana kläder var väldigt lätta att ta av. För Whistler skulle hans mus vara en del av en scen som var tilltalande för ögat. Han skildrade Hiffernan som han såg henne, och för tittarna på den tiden var bilden både förvirrande och lite oanständig. Men med tillkomsten av 1900 blev en sådan klänning normen för vardagligt slitage.

James Tissot skapade många målningar som skildrade kvinnors mode i slutet av 1800 -talet. Han var före europeiskt mode och är känd för att måla sina ämnen med tanke på de senaste modetrenderna. Kvinnomode började förändras bland unga damer i Paris och London i slutet av 1800 -talet. De vikta och tunga kjolarna hos deras viktorianska föregångare ersattes av smalare med svullna veck i ryggen.

I målningen "Miss Lloyd" är hjältinnan klädd i en klänning som den bärdes i samhället vid den tiden, betonar den smala midjan och timglasfiguren. "Porträtt av Kathleen Newton" (hans dåvarande följeslagare) är den fullständiga motsatsen till bilden av fröken Lloyd. Konstnären porträtterade en kvinna i en klänning som om hon utstrålar slöhet och förförelse. Båda kvinnorna har dock sin egen speciella charm och mystik kring dem. Klänningen i sig symboliserar skillnaderna i populärkulturen vid den tiden. Den ena bilden är traditionell och konventionell, medan den andra är uppriktigt sagt intim och skandalös för tittarna på 1800 -talet.

John Singer Sargent skapade bilden av en kvinna, som, även om den var oacceptabel för hans tid, blev en av hans mest igenkännliga och vördade målningar. Detta är ett porträtt av Madame Virginie Gautreau, en amerikansk skönhet blandad med franska högsamhället. Detta orsakade en sådan skandal att John själv var tvungen att lämna Paris för London.

Hennes korsett är extremt spetsad mot underlivet. En skarp, djup v-ringning och pärlstavs axelremmar täcker knappt axlarna och avslöjar vad som ansågs vara intima delar av en kvinna, olämpligt för offentlig uppvisning. Efter att Sargent presenterade målningen på Parissalongen 1884 orsakade den upprördhet från kritiker och åskådare, eftersom det inte är lämpligt att en gift kvinna i överklassen är i en så provocerande form. Det verkade för publiken i salongen att bildens hjältinna bar underkläder, inte en klänning. Och Gautreaus rykte i människors ögon började glida till noll, eftersom många ansåg att hon var en otrevlig person. Så småningom tog Sargent bort sitt namn från porträttet och bytte namn till "Madame X".

4. Kända klänningar i 1900 -talets målningar

Konst under 1900 -talet fokuserade på abstraktion och uttryck, genomgick betydande förändringar med nya stilar och teman. Det ledde också till utforskning av nya former och synteser av mode och konst. Här visas de berömda klänningarna i målningarna under 1900 -talet.

Adele Bloch-Bauer gyllene klänning sticker ut från resten av högtidskläderna på sin tid. Istället för att skildra en överklassskvinna som kopplar av i en trädgård eller läser i en soffa, förvandlar Klimt Adele till en annan världslig gestalt. Hennes klänning är en virvlande figur fylld med trianglar, ögon, rektanglar och ikonografi. Det finns inga tecken på raka korsetter eller lager av kläder. Modern innehåller teman av naturen och mytiska bilder. Detta gäller också bohemiskt mode, som Gustav själv bar och använde i olika andra målningar.

Han målade ofta teckningar skapade av modedesignern Emily Flege. Hon är inte lika känd i modevärlden som hennes samtidiga eller föregångare, men hon gjorde det bra för att skapa mode för kvinnorna i sin tid. Ibland var det ett samarbete, eftersom Gustav använde sina berömda klänningar i många av sina andra målningar.

Tamara Lempicka skapade porträtt som utforskade kvinnlighet och självständighet på 1920 -talet. Art Deco -artisten blev känd för sina porträtt av kändisar som utforskade den stiliserade och polerade formen av kubism som blev hennes varumärke. Ira Perrault (en nära vän och sannolikt älskarinna till Lempicki) ses som en bokstavlig manifestation av musiken i La Musicienne. Det som gör att bilden sticker ut är dess skildring av en blå klänning. Tamaras hårda teknik för skugggjutning med sin rika färgpalett ger rörelse till klänningen så att den verkar sväva i luften. Klänningens korta fåll och de flytande veckarna påminner fortfarande om 1920 -talets mode som var en vändpunkt för dammodet. Kvinnor bar klänningar som avslöjade deras ben och armar och veckade kjolar som gjorde det lättare att dansa.

Tamara inspirerades och studerades av renässansmästare och använde liknande teman med ett modernt tillvägagångssätt. Traditionellt syns blått på Jungfru Marias klänningar i medeltida eller renässansmålningar. Ultramarinblått var sällsynt och användes för betydande målningar.

Färgglada och handgjorda mexikanska tyger vävs in i arbetet med Frida Kahlo. Hon omfamnade dessa plagg som en del av sitt arv och bar dem i många självporträtt och fotografier. De berömda klänningarna i The Two Fridas symboliserar hennes band till båda sidor av hennes europeiska och mexikanska arv.

Frida till vänster speglar hennes uppväxt i en övre medelklassfamilj. Hennes far kom ursprungligen från Tyskland, och det inhemska livet som barn innehöll västerländska seder. Klänningens vita spets symboliserar den stil som är populär på europeiskt sätt. Denna västerländska version står i kontrast till högerns Fridas önskan att omfamna sitt mexikanska arv genom att bära en traditionell klänning. Dessa kläder är något som hennes man Diego Rivera uppmuntrat, särskilt i deras kamp för att förändra sitt land. Klänningen visade sin stolthet över att ha på sig lokala och traditionella kläder från Mexiko.

Kahlos kläder är en viktig aspekt av hennes liv och arbete. Efter att hon fick polio som barn och det ena benet blev kortare än det andra blev färgglada kjolar ett sätt för henne att gömma benet på ett sådant sätt att det skyddade henne från granskning. Konstnärens garderob inkluderade tehuana -klänningar, huipilblusar, rebozo, blommiga huvudbonader och antika smycken. Dessa kläder för Kahlo är en illustration av hennes kärlek, smärta och lidande, som hon inkluderade i sitt arbete.

Handla om, hur kimonon har förändrats genom århundradena och vilken roll den har spelat inom konst och modernt mode, läs nästa artikel.