Hur Albrecht Durer självporträtt orsakade skandal och missnöje i konstvärlden

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Det är svårt att förstå vad denna eller den konstnärens avsikter var när han skapade sina verk. Det är därför forskare, historiker och konstkritiker har försökt lösa detta mysterium i många år. I fallet med Albrecht Dürer rådde det mycket kontroverser om konstnärens exakta avsikt med sitt berömda självporträtt från 1500, kring vilket passioner fortfarande kvarstår.

Albrecht föddes 1471 i den tyska staden Nürnberg. Från elva års ålder arbetade han som lärling för sin pappa, juvelerare, som lärde honom de ovärderliga färdigheterna att rita och gravera, som senare spelade en avgörande roll i hans karriär som konstnär. Albrechts talang och berömmelse i tidig ålder var också resultatet av stor tur. Stödet från hans gudfar, Anton Koberger, en av tidens mest framgångsrika förläggare i Tyskland, innebar hans omedelbara och enkla erkännande som författare och skrivare. Dessutom var Dürers undervisning inget annat än extraordinärt. Hans treåriga lärlingsutbildning vid femton års ålder, under ledning av Nürnbergs ledande målare och grafiker Michael Wolgemuth, introducerade honom till träskärningskonsten, där han senare utmärkte sig.

Naturligtvis ledde all denna tur, erfarenhet och utbildning den unga Albrecht till omedelbar konstnärlig framgång. Efter omfattande resor till några av världens kulturhuvudstäder började Dürer verkligen finslipa sina färdigheter. I synnerhet introducerade hans resa till Italien och Nederländerna i början av 1490 -talet konstnären för spännande innovationer och nya former av konstnärligt uttryck som påverkade hans kreativa praktik. Vid den tidpunkt då Albrecht triumferande återvände till Nürnberg med sin fästmö Agnes Frey, var han redan en ganska känd konstnär och oberoende gravör.

Återkomsten till Nürnberg markerade också öppnandet av Albrecht Dürer egen verkstad, där han koncentrerade sig på att producera träsnitt. Man tror allmänt att han fokuserade mer på tryck än på oljemålningar, eftersom det var mycket lättare och mycket mer lönsamt att göra tryck. Denna praxis gjorde att han kunde stärka sitt namn som en exceptionell konstnär över hela kontinenten, eftersom hans tryck var av mycket högre kvalitet än de som sprids i Tyskland. Dessutom kunde gravyrer ha blivit utbredda, till skillnad från oljemålningar.

Dürer var väl medveten om att målningar är en engångsgrej: i de flesta fall är de avsedda att säljas och beundras av en person. Därför tyngde han naturligtvis till produktion och försäljning av sina tryck. Som det visade sig var detta ett extremt lönsamt beslut, eftersom han regelbundet fick order och till och med slutförde projekt för den helige romerske kejsaren Maximilian I.

Men Albrecht övergav inte målningen helt. Tvärtom, djupt påverkad av konstnärernas olika innovationer som han stötte på under sina resor, började han experimentera med olika kompositionselement: färg, kroppsposition, belysning och penseldrag. Dessa kompositionsexperiment ledde till produktionen av en liten serie självporträtt, som började 1493 och slutade med hans sista del av det ursprungliga självporträttet 1500. I detta verk verkar Dürer skildra sig själv i en mycket välbekant bild, vanligtvis igenkännlig inom religiös ikonografi.

Den konstnärliga förmågan och de religiösa inslagen i 1500-självporträttet är obestridliga. Ändå erkänns Dürer arbete historiskt som något mindre fromt. Intressant nog fick verket relativt liten uppmärksamhet under den första utgivningen av porträttet. Överraskande märktes Albrecht och hans porträtt som blasfemiska tre hundra år senare. Vad kan ha förändrats under denna tid? I princip hans tolkning.

Många, om inte de flesta tolkningar som betraktaren ansluter sig till i samband med konstverk kommer till oss från konsthistorien och konsthistorien. Dessa discipliner uppstod i allmänhet under andra hälften av 1700 -talet och etablerades inom den offentliga diskursen som akademiska områden under 1800- och 1900 -talen. Att förstå detta koncept är kritiskt eftersom den första affärsordningen för alla blivande konsthistoriker eller kritiker, oavsett deras historiska sammanhang, är att observera.

När konsthistoriker tittade på Albrecht Durers 1500 självporträtt såg de alla en falsk sen nordlig medeltida skildring av Jesus Kristus. Närmare bestämt kan Dürer ses direkt från duken på betraktaren, vänd framåt, från midjan uppåt och i perfekt symmetri mot duken. Dessutom bär han långt och något lockigt hår som är guldbrunt, en nyans som skiljer sig från sitt eget naturliga pigment. Hans högra arm är krökt i en spännande gest, medan hans vänstra håller hans krage. Slutligen bär guldbokstäverna på den släta bakgrunden ett unikt budskap:.

Alla dessa kompositionselement indikerar avsiktligt bilden av Frälsaren. Det finns ingen kontrovers kring det faktum att Dürer målade sitt porträtt i en av de mest igenkännliga stilistiska traditionerna som är reserverade för Jesus Kristus. Denna stilistiska tradition kallas Christ Pantokrator och anses vara en av de mest kända konstnärliga stilarna inom kristen ikonografi. Denna metod för religiös bildspråk var ganska utbredd på medeltiden och finns i många fresker och mosaiker, liksom i de flesta skildringar av Kristus i den grekiska och östortodoxa kristna traditionen.

På Albrechts tid trodde man att det fanns skriftliga bevis på Kristi gestalt. Som väntat stiliserade Dürer sig i bilden som beskrivs i beskrivningen och ändrade till exempel skuggan av sitt blonda hår till färgen på en mogen valnöt.

Frågan kvarstår, varför Albrecht avsiktligt framställde sig själv på ett sätt som enbart var avsett för en religiös figur. Allmänheten kommer säkert att ta ett sådant steg som en manifestation av direkt arrogans. Överraskande nog var det under porträttets släpp inte så mycket störningar och buller som det kan tyckas vid första anblicken. Detta tyder på att Dürer målade sitt porträtt som en träningsform för egen vinning och för att ytterligare utforska de konstnärliga innovationerna i sin tid. Ändå betraktade de flesta av hans samtidiga Albrechts arbete som en övning av den gudfruktiga personen som skapade en bild i den mycket utbredda traditionen av "Kristi efterlikning": den religiösa praktiken att följa i Kristi fotspår.

Men när konsthistoriker från början av 1800 -talet som Moritz Thosing analyserade verket fann de att i stället för att Dürer imiterade Kristi bild, kopierades varje bild av Kristus efter Dürer från hans egen bild. Det betyder att Albrechts självporträtt var så respekterat och inflytelserikt vid den tiden att det blev grunden för eventuella efterföljande skildringar av religiösa personer. Det var en kolossal bedrift och en slags framgång. Men när tittare från den kristna renässansrörelsen återbesökte denna bild i slutet av 1800- och början av 1900 -talet fann de att det inte hade något att göra med den gudomliga makt som Kristus hade. Den berömda konsthistorikern Erwin Panofsky kallade till och med Albrechts självporträtt för "blasfemiskt".

Tyvärr är det osannolikt att tittaren någonsin vet hur korrekta uttalanden och slutsatser från 1800- och 1900 -talets konsthistoriker var, eftersom deras arbete fortfarande är i stort sett spekulativt. Baserat på några välkända fakta om Albrecht Dürer's liv och målningens kompositionselement kan man dock försöka göra en välutbildad gissning. Den övergripande berättelsen vi kan dra från 1500-talets självporträtt är den av en självförtroende konstnär.

Som meddelats av Dürer själv avslutade han arbetet med verket innan han nådde tjugonio år och har arbetat i många år som en respekterad konstnär i sitt hemland och andra konstcentra i hela Europa. Det är också säkert att anta att det krävs en speciell talang för att påverka en hel stilistisk tradition, som var fallet med Dürer och hans porträtt.

Vad man kan lära sig av Dürer arbete är hur konsthistorien påverkar berättandet av konstverket och dess acceptans av allmänheten. Trots förekomsten eller frånvaron av symboliska element eller försök att undergräva religiös övertygelse och ikonografi, är Albrecht Dürers självporträtt ett verk med obestridlig konstnärlig skicklighet och suverän kompositionsskönhet.

Läs också om vad var de första museerna i förmodern och varför de på en gång var mycket populära bland samlare och skyddsglasögon.