Hur målningar av kända konstnärer blev en del av modet och formade en ny stil från 1900 -talet

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Länkarna mellan konst och mode definierar specifika stunder i historien. Båda dessa medier speglar sociala, ekonomiska och politiska förändringar från tjugoårsåldern till de livliga åttiotalet. Här är fyra exempel på konstnärer och modedesigners som genom sitt arbete hjälpte till att forma ett nytt perspektiv på 1900 -talets konst och mode.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Vänskapen mellan Roy Halston och Andy Warhol definierade den konstnärliga världen. Både Roy och Andy var ledare som banade väg för att göra artisten / designern till en kändis. De tog bort konstvärldens pretentiösa stigma och tog med mode och stil till massorna. Warhol använde silketryck flera gånger för att skapa bilderna. Även om han verkligen inte uppfann processen revolutionerade han tanken på massproduktion.

Roy använde tyger och mönster som var enkla och eleganta men ändå glamorösa med sin användning av paljetter, ultraljud och siden. Han var en av de första som gjorde amerikanskt mode tillgängligt och önskvärt. Båda satte sina sista märken på konst och stil under 1960-, 70- och 80 -talen, vilket fortsätter till denna dag.

Både Roy och Andy har arbetat tillsammans på många olika projekt. Warhol skapade reklamkampanjer som innehöll Halstons kläder och till och med Halston själv. I sin tur använde Halston blommotrycket Warhol i några av hans klädkollektioner, från kvällsklänningar till fritidsuppsättningar.

Roy använde enkla mönster i sina kläder, vilket gjorde dem mycket framgångsrika. De var bekväma att bära, men hade också en touch av lyx tack vare tyger, färger och tryck. Warhol förenklade också sina material och processer. Detta gjorde det lättare att reproducera hans verk och gjorde dem mer säljbara.

Kommersiell framgång har haft sina egna utmaningar för båda artisterna. Halston var den första som samarbetade med detaljhandelskedjan JCPenney 1982 och detta har påverkat kvaliteten på hans varumärke. Warhol möttes också av kritik, eftersom hans arbete uppfattades som ytligt. Båda har dock moderniserat sin detaljhandel och marknadsföring i sina respektive utrymmen för att skapa varumärken för massmarknadsförsäljning.

Roy och Andy var frekventa besökare i Studio 54. De höll fester, designade och producerade verk för kändisar som Liza Minnelli, Bianca Jagger och Elizabeth Taylor. Allt detta återspeglas i deras arbete när de inspirerade och definierade disco -eran på 1970 -talet.

Halston var känd för att skapa glittriga kvällskläder. Roy la paljetterna horisontellt på tyget och skapade en skimrande effekt av materialet han använde för att skapa lyxiga outfits älskade av många glamorösa damer.

Warhol Diamond Dust Shoe Series illustrerar också nattlivet i Studio 54 och kändisarna som bor där. Diamantdamm är vad han använde över stenciler eller målningar, vilket skapar ett extra element av djup för verket. Och hans skor var ursprungligen idén för Halstons annonskampanj. I vilket fall som helst gjorde dessa två ett enormt bidrag till mode och lämnade ett outplånligt märke bakom sig. Även idag är många moderna designers inspirerade av Andy och Roys idéer och skapar magnifika samlingar med ekon från det förflutna.

2. Sonia Delaunay: När konst blir mode

Sonia Delaunay revolutionerade inte bara en ny form av kubism, utan introducerade också sambandet mellan konst och mode. Både Delaunay och hennes man var pionjärer inom Orphism och experimenterade med olika former av abstraktion inom konsten. Hon var den första i sitt slag som använde sin egen konstnärliga stil och flyttade in i modevärlden med sina ursprungliga textildesigner, tryck eller mönster. Hon är mer ihågkommen för sin konst och koppling till sin man än för sitt mode. Hennes stil spelade en stor roll på 1920 -talet, och hennes klädkatalog minns mer för fotografier och referenser till hennes konst än plaggen själva. För Sonya fanns och finns det ingen gräns mellan konst och mode. För henne är de ett och samma.

Hon startade sin modeverksamhet på 1920 -talet, skapade kläder för kunder och designade tyger för tillverkare. Sonya kallade sin etikett Simultaneous och gick ännu längre med användning av färg och mönster på olika ämnen. Samtidigheten spelade en viktig roll i hennes arbete, och hennes ovanliga teknik påminde om ett lapptäcke eller textilier från Östeuropa: färger överlagrade varandra och mönster användes för att skapa harmoni och rytm. Hennes vanliga teman inkluderar kvadrater / rektanglar, trianglar och diagonala linjer eller sfärer - som alla överlappar varandra i hennes olika mönster.

Delaunay var en ung kvinna under den edwardianska eran, då korsetter och överensstämmelse var normen. Detta förändrades på 1920-talet när kvinnor började bära kjolar ovanför knäet och lösa, passande kläder. Denna aspekt kan ses i Delaunays mönster och hon brann för att skapa kläder som passar kvinnors behov. Sonya utvecklade badkläder som tillät kvinnor att känna sig mer bekväma, även när de spelar sport och simmar. Hon satte sina tryck på rockar, skor, hattar och till och med bilar, med vilken yta som helst som duk. Hennes design skapade rörelse- och uttrycksfrihet genom färg och form.

Under hela sin karriär försökte hon sig ständigt i något nytt och flyttade som ett resultat till bio och teater. Sonia designade kostymerna för Rene Le Somptiers The Little Parisian, medan hennes man gjorde uppsättningen för filmen. Hon var förtjust i geometriska former, smidigt kombinerade och blandade dem med varandra, skapade bisarra mönster och brutna linjer som har blivit hennes kännetecken.

3. Samarbete mellan Elsa Schiaparelli och Salvador Dali

Avantgarden för surrealistisk konst kombineras med ledaren för surrealistiskt mode. Salvador Dali och modedesignern Elsa Schiaparelli har samarbetat och inspirerat varandra under hela sin karriär. De skapade ikoniska utseenden som Hummerklänning, Skohatten och Tårklänningen som chockade och inspirerade publiken både i konst och mode. Dali och Schiaparelli banade väg för framtida samarbete mellan modedesigners och konstnärer och överbryggade klyftan mellan vad som anses vara bärbar konst och mode. Dali använde hummer som ett återkommande tema i sitt arbete och var intresserad av deras anatomi.

Klänning "Omar" är ett gemensamt verk av Elsa och Dali, och deras skapande orsakade mycket kontrovers inte bara på dagen för sin debut, utan också efter. Först har den en ren bodice och en vit organzakjol. Den ovanliga klädseln sprängde bokstavligen modevärlden och orsakade mycket kontroverser om denna poäng. Användningen av vit duk kontrasterar också mot hummerns röda färg. Vitt kan betraktas som oskuld eller symbolisera renhet jämfört med rött, vilket kan innebära avslappning, kraft eller fara.

Skelett är ett annat tema som finns i surrealistisk konst och har använts i fler samarbeten mellan Dali och Schiaparelli. Skeleton -klänningen var den första i sitt slag. Elsa använde en teknik som kallas trapunto, där två lager tyg sys ihop, vilket skapar en kontur där vadd sätts in och därigenom skapar en upphöjd effekt. Denna teknik skapar en texturerad yta på ett plant tyg, vilket ger illusionen att mänskliga ben sticker ut genom klänningen. Detta orsakade en skandal eftersom klänningen var gjord av ett elastiskt material som fäster vid huden. Fantasierna i Dalis målningar och teckningar förkroppsligades i den overkliga världen av Schiaparellis outfits, som än idag gör ett outplånligt intryck på både tittare och designers.

4. Yves Saint Laurent: The Clash of Art and Inspiration

Var går gränsen mellan imitation och uppskattning? Kritiker, publik, artister och designers har kämpat för att avgöra var denna linje går. Men när det gällde Yves Saint Laurent var hans avsikter inget annat än smicker och beundran för konstnärerna och målningarna han använde som inspiration. När han tittar på sin stora portfölj inspirerades Saint Laurent av kulturer och konst från hela världen, som han framgångsrikt införlivade i sina kläder.

Även om Yves aldrig träffade konstnärerna som inspirerade honom, hindrade det honom inte från att skapa konstverk som ett tecken på respekt för dem. Laurent hämtade inspiration från artister som Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque och Picasso. Han var en konstsamlare och samlade målningar av Picasso och Matisse, som han hängde i sitt hem.

Yves tog några av konstmotiven och gjorde dem till fantastiska kläder som hyllar några av hans favoritartister. 1960 -talet var en tid av revolution och kommersialism, en ny era av mode och konst. Saint Laurents projekt fick kommersiell framgång när han började hämta inspiration från popkonst och abstraktion. 1965 skapade han tjugosex klänningar inspirerade av abstrakta målningar av Piet Mondrian. Klänningarna förkroppsligade Mondrians användning av förenklade former och djärva grundfärger. Yves använde en teknik där inga sömmar syntes mellan tyglagren, vilket gav intrycket att kläderna var en hel bit. Saint Laurent tog Mondrians konst från 1920 -talet och gjorde den bärbar relativt 1960 -talet.

Modeklänningar är klassiska exempel på 1960 -talets stil. De liknade 1920 -talets kläder som var mindre begränsade och hade ärmar och fållar som avslöjar stora hudfläckar. Saint Laurents fyrkantiga silhuetter fick kvinnor att känna sig lätta och fria. Detta ledde honom också till inspiration från popkonstartister som Tom Wesselman och Andy Warhol. Han skapade en rad popkonstinspirerade mönster som innehöll silhuetter och utskärningar på hans kläder. Det handlade om att övervinna begränsningarna för vad abstraktion är i konsten och kommersialisering av design. Laurent tog ihop dessa två idéer för att skapa kläder för kvinnor som är gratis och attraktiva för moderna damer.

Saint Laurents Vincent Van Gogh -jackor är ett exempel på hur Yves kombinerade artistinspiration med sina egna designtalanger. Liksom hans andra plagg kopierades inte konstnärrelaterade teman och klistrades in på Saint Laurents kläder. Istället valde han att använda dem som inspirationskälla och skapa bitar som speglar hans egen stil. Jackan är ett exempel på 80 -talets stil, som är broderad med solrosor i Van Goghs pittoreska stil.

Laurent har samarbetat med Maison Lesage, en ledare inom haute couture -broderi. Jacka "Sunflowers" är broderad med rörformade pärlor. Blommorna är fyllda med olika nyanser av orange och gula gnistrar. Detta skapar en flerdimensionell konsistens som liknar Van Goghs teknik för att applicera tjock färg på duk. Det beräknas vara en av de dyraste haute couture -artiklarna som någonsin tillverkats och sålts hos Christie's för nästan fyra hundra tusen euro. Saint Laurent banade väg för att bära kläder som ett konstverk i sig, oavsett mode och tidsperiod.

Fortsätt ämnet, läs också om vad som ledde Saeko Yamaguchi till framgång, vilket gjorde henne till en av de mest älskade muserna i Kenzo och Yamamoto.