Temat för den förlorade sonen i Rembrandts målningar: den största utvecklingen av mästarens liv och verk

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Rembrandt Harmenszoon van Rijn var inte bara den nederländska guldåldern utan även världskonstens största konstnär. Känd som "ljusets målare" använde Rembrandt sina oöverträffade tekniska färdigheter, kunskap om mänsklig anatomi och tro för att uttrycka djupa känslor och tidlösa sanningar. Den förlorade sonens bibliska intrig kräver särskild uppmärksamhet, vilket återspeglar konstnärens personliga och kreativa förvandlingar.

Biografi

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, som föddes i en medelklassfamiljfamilj 1606, lämnade, liksom många andra på den tiden, sin fars hus och reste till storstaden (Amsterdam) för att lyckas. Hans talang och kompetens har tjänat honom väl. Konstnären skapade fantastiskt realistiska porträtt av rika köpmän, skeppsbyggare, lokala politiker och deras familjer. Rembrandt säkrade ett utmärkt rykte och betydande inkomst under de första åren av sin karriär.

På den tiden ansågs bibliska ämnen vara relevanta för högkonst, men ännu viktigare för Rembrandt blev Bibeln för mästaren ett verktyg för att förstå och begrunda den mänskliga anden. Kristi liknelse om den förlorade sonen är en berättelse från Lukasevangeliet 15:13: "Efter några dagar reste den yngre sonen till ett långt land och där slösade han bort sina ägodelar och levde upplöst." Handlingen inspirerade ofta konstnären under hela sitt liv, särskilt i två målningar - "Den förlorade sonen i en krog" (1637) och "Den förlorade sonens återkomst" (1669). Två målningar - två utgångspunkter i biografin - två utvecklingar av mästarens arbete och liv.

"Den förlorade sonen i krogen"

Det första verket "Prodigal Son in a Tavern" speglar den lyckligaste tiden i konstnärens liv. Målningen målades 1637, när Rembrandt var 31 år gammal, gifte han sig precis med en vacker, rik ung fru - Saskia. Den vänstra sidan av duken var förmodligen huggen av konstnären själv. Det fanns avbildade mindre karaktärer, och Rembrandt ville fokusera observatörens uppmärksamhet på huvudtemat. Utställd på Dresden Gallery (Tyskland).

Rembrandt framställde sig själv i ett självporträtt som en uppslukare och ödes älskling mitt i sin kreativa berömmelse, personliga lycka och otaliga nöjen, med ett glas i handen och med sin älskade kvinna. Förresten, hjältinnan - Rembrandts fru - Saskia. Rembrandts välstånd, liksom den upproriska bilden av den förlorade sonen från Bibeln, varade inte länge. Konstnären levde överdådigt och överdådigt, förutsatt att de goda tiderna skulle vara för evigt. Men han hade fel. När arbetet började med The Return of the Prodigal Son hade Rembrandt gått i konkurs. Hans älskade fru dog, den tidigare populariteten försvann och artisten blev omkörd av fattigdom. En betydande symbolisk detalj är en skifferbräda på väggen, vilket indikerar att du förr eller senare måste betala för allt. Detta är en liten antydan från artisten till publiken, som påminner om att denna berättelse har en fortsättning.

Finalen i Rembrandts liknelse är den andra versionen, skriven 1669. Och i henne är det ganska svårt att känna igen en blek, utmattad, fysiskt och moraliskt trasig person som återvänder till sin far. Han lämnade det i sin ungdom, var en spelare, en hänsynslös nöjessökare som slösade bort sin del av arvet till den sista slanten. Konstnären målade detta verk bara några månader före hans död.

"Den förlorade sonens återkomst"

Den sista stora målningen av Rembrandt, Den förlorade sonens återkomst, målades 1669. Nu visas den i Eremitaget. Det är en monumental uppvisning av överväldigande kärlek och förlåtelse. Karaktärerna avbildas i full storlek. Om du tittar på bilden och står framför den kan du verkligen känna hur faderns milda omfamning omfamnar betraktaren. Från en avsiktligt mörk bakgrund av rika bruna och sammetslen svarta kommer tre figurer fram, badade i ljus. Rembrandts telefonkort är ett okänt ljus som kommer från djupet. En ljusbåge sträcker sig från fötterna på den förlorade sonen genom hans slitna kläder och rakade, böjda huvud, in i hans fars armar och lyser upp hans blinda ögon i finalen. Nästa ljuspunkt är ansiktet på den äldsta sonen, som blev kvar hos sin far - det här är en prototyp på samvetet.

Det viktigaste här är benen på den förlorade sonen. De är sårade, nakna, skodda i samma slitna skor och berättar en hel historia (frossande - misstag - misslyckande - nederlag - ånger). Det enda han har kvar är en dolk på bältet (möjligen en gåva från sin far, som han aldrig skulle sälja). Sonen vilar på sin fars bröst, och där finner han barmhärtighet, acceptans, förlåtelse och kärlek. Hans huvud är rakat - det här är en ledtråd om att han har sjunkit till botten. Han var en fånge. Mjukheten i faderns röda klänning och mjukheten i hans omfamning är mycket påtaglig. Samma röda färg ekar i den äldre broderns dräkter, som förbinder fadern och hans äldsta son. Men i stället för kärlek är storebrorns ansikte fullt av förakt och fördömande. Han står åt sidan, grym och orörlig. Vad hände med huvudpersonen? Med sitt självförtroende och härliga dyra kläder? Allt som var meningslöst gled ur honom som skal. På bekostnad av lidande och förlust … gick sanningen upp för honom.

I Holland, ett protestantiskt land, där kyrkor inte hade målat altare och stora målningar på religiösa teman sällan målades, skapade Rembrandt frivilligt ett monumentalt mästerverk där målningstekniken fick en andlig karaktär. Konstnären, i temat för den förlorade sonen, avslöjade utvecklingen av hans liv och verk. Han satte bokstavligen sig själv inför den sista domen. Man kan absolut hålla med ett antal kritiker som kallade "Den förlorade sonens återkomst" den bästa målningen genom tiderna.