7 mästerverk av Eremitaget som är värda att se 2020

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Forskare har länge bevisat att konst har en gynnsam effekt på människors hälsa genom att minska ångest och stress i kroppen. Detta gäller särskilt för de fina konsterna och kontemplationen över det vackra. Därför är det värt att besöka Eremitaget och se museets mest kända utställningar för att 2020 ska fyllas med ett gynnsamt tillstånd av kropp och ande.

"Apostlarna Peter och Paul" av El Greco

El Greco är en av de ljusaste och mest originella artisterna. Grekisk från ursprung, han studerade måleri i Italien i verkstaden för den stora Titian. Han lärde sig oljetekniken av sin idol och inspirerades också av de konstnärliga teknikerna i italiensk manism. El Greco utmärkte sig bland sina kollegor för originaliteten i den dramatiskt uttrycksfulla stilen. I sina porträtt ägnade han stor uppmärksamhet åt psykologisk karaktärisering. I denna målning från Eremitaget representerar konstnären två olika typer av människor. Till vänster är aposteln Petrus, som förnekade Kristi existens tre gånger. Hans ansikte förmedlar sorg och osäkerhet, medan hans gester är färgade med ånger och bön. Aposteln Paulus, som, som du vet, ursprungligen var en nitisk förföljare av kristna, på bilden visar andlig glöd i att bekräfta sanningen. Handgesterna som utgör verkets kompositionella centrum uttrycker en dialog som förenar de två apostlarna.

Den gråhåriga Peter, insvept i en gyllene mantel, lutade huvudet åt sidan. I vänster hand håller han sin symbol - nyckeln till himmelriket. Pavel trycker fast sin vänstra hand mot den öppna volymen på bordet, hans högra hand stiger upp i en tydlig gest när han tittar direkt på betraktaren. Sankt Peter och Sankt Paul förekommer många gånger i El Grecos verk, och de avbildas med slående konsekvens. Konstnären visar alltid Petra med grått hår och skägg, och han bär ofta en gul mantel över en blå tunika. Paul är alltid något skallig, med mörkt hår och skägg, i en röd mantel över blå eller gröna kläder.

"Penitent Mary Magdalene" av Titian

Penitent Mary Magdalene är ett porträtt av Sankt Maria Magdalena Titian från omkring 1531, med signaturen 'TITIANUS' på fartyget till vänster. Enligt handlingen är det här en kvinna med ett upplöst förflutet, som enligt evangeliet (Luk 7, 36-50) kom till Simon Fariseers hus för att be Jesus om förlåtelse. Det är en feminin gestaltad av Titian med tjocka, koncentrerade slag och varma toner. Paletten framhäver otroliga ögon genomblöta av kristalltårar. Det kopparblonda håret som täcker figuren är fantastiskt skrivet. Temat för den ångerfulla Maria Magdalena, som fick upp ögonen för himlen, blev stor popularitet i Italien på 1500 -talet bland aristokrater, religiösa ledare och den rika medelklassen. Bristen på kläder symboliserar Magdalenas vägran från smycken, guld och världsliga hobbyer för tron på Kristus. Dessutom uppfyller det gyllene håret och den övergripande figuren i Magdalena normerna för renässansskönhet.

"Madonna Litta" av Leonardo da Vinci

Målningen fick sitt namn från den milanesiska adelsfamiljen, i vars samling den hittades under större delen av 1800 -talet. År 1865 köpte den ryska tsaren Alexander II duken till Eremitaget, där den visas än idag. Detta arbete skildrar Madonnan som ammar Kristusbarnet. Observera frånvaron av spökbilder i den här bilden. Ett antal av Leonardos dukar visar samma funktion. Figurerna ligger i en mörk inredning med två välvda öppningar som visar en vy över det bergiga landskapet. En intressant detalj: i mitten av bilden, i Kristi vänstra hand, finns en guldfink, som är en symbol för Kristi passion.

Känslan av moderskapets glädje i målningen "Madonna Litta" skildras särskilt förtjusande tack vare rikheten i själva bilden av Maria - här fann den sitt mogna uttryck för Leonardos kvinnliga skönhet. Madonnans mjuka, vackra ansikte ger halvstängda ögon en speciell andlighet och ett litet leende. Målningens sammansättning är slående i sin slående tydlighet och perfektion. Madonnan och barnet var ett vanligt motiv inom kristen konst under medeltiden och fortsatte in i renässansen.

"Lutspelare" Caravaggio

Målningen beställdes av kardinal Francesco del Monte, som beskyddade konstnären. Caravaggio skildrade en ung man fascinerad av musik: hans blick är full av inspiration, fingrarna klamrar sig fast vid strängarna. Figuren av en ung man i en vit skjorta sticker tydligt ut mot en mörk bakgrund. Kraftig sidobelysning och fallande skuggor ger föremål en nästan märkbar volym och vikt. Objekten som placeras i bilden vittnar om konstnärens stora kärlek till omvärlden, hans önskan att sanningsenligt återge naturen, förmedla den materiella kvaliteten i varje detalj. På anteckningsboken som ligger framför hjälten med en lut, skrivs inledande anteckningar från madrigalen som var populär på 1500 -talet "Du vet att jag älskar dig".

Kärlek som tema för detta verk indikeras också av andra objekt. Till exempel var den spruckna luten en metafor för kärlek som misslyckas. Vid kreativitetens gryning gav Caravaggio ofta ungdomar feminina drag, som dock var typiska för italiensk konst i slutet av 1500 -talet. Det är intressant att musiker från målningen från Eremitaget ofta misstogs som en tjej, och kompositionen kallades "The Lute Player".

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Ett av konstnärens bästa verk - "The Lady in Blue" - skapades av Gainsborough i blomningen av hans kreativa krafter. Figuren av en ung kvinna i en öppen klänning av transparent vitt tyg sticker försiktigt ut mot en mörk bakgrund. Hennes pudriga hår formas till en knäpp frisyr. Stora lockar faller över sluttande axlar. Friskheten i det ungdomliga ansiktet accentueras av halvöppna läppar och mandelformade mörka ögon. Med en lätt rörelse i höger hand håller hon i den blå sidenduken. Gråaktiga, blåaktiga, rosa och vita toner här och där förstärks med ljusa drag och hjälper till att förmedla modellens elegans och skönhet.

Djärvheten i Gainsboroughs bildtekniker förvånade hans samtid. Så, Reynolds noterade "konstiga fläckar och drag" i Gainsboroughs målningar, "som mer sannolikt verkar vara ett resultat av slump än en medveten avsikt." Det är denna icke-akademiska tradition som är en av Gainsboroughs största prestationer. "The Lady in Blue" gick in i Eremitaget 1916 från samlingen av A. 3. Khitrovo genom testamente.

Den förlorade sonens återkomst av Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Detta mästerverk av biblisk konst bekräftar återigen Rembrandts status som en av de finaste målarna genom tiderna och den största av alla gamla mästare i att skildra bibelns scener. Målningen The Return of the Prodigal Son, färdigställd av konstnären under de sista åren av hans liv, skildrar en scen från liknelsen Luke 15: 11–32. Enligt den framstående konstkritikern Kenneth Clarke är duken en av de största målningarna genom tiderna. Enligt handlingen lägger fadern, precis som patriarken, händerna på axlarna på en rakad ånger och klädd i slitna kläder. Hans ögon är nästan stängda. Handlingen av förlåtelse blir en välsignelse av ett nästan sakramentalt sakrament.

Detta är en bild med största andlighet, fri från alla anekdotiska aspekter, där alla rörelser och handlingar har stannat. Scenen störtar in i mörkret, som en tunnel, från vilken faderns och hans äldste sons ansikten lyser blankt. Deras röda dräkter ger detta mörker en glöd. Rembrandt har upprepade gånger målat på temat för den förlorade sonen, men i denna monumentala oljeversion kom han till sin mest spännande och - tack vare kontrasten mellan den äldste och den yngre (förlorade) sonen - den psykologiskt svåraste formuleringen.

"Dans" av Henri Matisse

"Dans" är ett av de mest kända verken av Henri Matisse - en ode till liv, glädje, fysiskt avslag och en symbol för samtidskonst. Verket beställdes av den inflytelserika ryska samlaren Sergej Shchukin 1909 för att dekorera hans herrgård. Kännetecknad av sin enkelhet och energi, denna konstnärliga orgie satte en outplånlig prägel på 1900 -talets konst. Dansen skrevs på höjden av den fauvistiska estetiken och förkroppsligar frigörelsen av traditionella västerländska konstnärliga traditioner. Henri Matisses estetiska val för denna målning orsakade en verklig skandal på konstsalonger 1910. Vågad nakenhet och grova nyanser gav bilden en extraordinär karaktär för den tiden, vilket i vissa tittares ögon verkade barbariskt.

Matisse använde endast tre färger för att skildra denna dans: blå, grön och röd. I linje med traditionella Fauvist -färgföreningar skapar dessa tre nyanser intensiv kontrast. Matisses mål var dock inte att chocka publiken. Tvärtom försökte han förena människor med varandra och med naturen. Som konstnären sa, "Det jag drömmer om är balanserad, ren och lugn konst som kan undvika besvär eller besvikelse."