Vem Rodin verkligen skapade "The Thinker" eller "The Mourner": The True Meaning of Famous Art Works

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Vem som helst kan lätt märka att ämnet sorg är mycket populärt bland artister. Och ofta vet moderna människor inte ens om historien om vissa målningar eller skulpturer och deras sanna betydelse.

"Porträtt av Venedig Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Det verkar som om den unga kvinnan sover lugnt. När den flamländska konstnären Anthony van Dyck 1633 1633 försökte förmedla all den aristokratiska skönheten i Venedig Stanley, Lady Digby, målade han faktiskt ett porträtt … av ett två dagar gammalt lik som låg på dödsbädden.

Upprörd av sorg över att upptäcka att hans fru plötsligt hade dött på natten, vid 33 års ålder, bad Venedigs make, Sir Kenelm Digby, Van Dyck, hovmålaren för kung Charles I, att måla sin avlidna fru före "kirurgerna och kröarna. anlände."

Anthony van Dyck skrev Venedig, Lady Digby på hennes dödsbädd 1633 - två dagar efter att kvinnan dog i sömnen

Van Dijk satte igång och ignorerade de fruktansvärda förändringar som inträffar i människokroppen efter döden. På den bleka, charmiga halsen i Venedig ritade han ett pärlhalsband, och på kanten av arket spred han rosenblad. Digby trodde att målningen av Van Dyck, som nu finns i Londons Dulwich Art Gallery, var kronan för konstnärens skapelse. Enligt honom verkade denna "ros" "blekna" redan vid första anblicken och skulle symbolisera hans hustrus död.

Trots att det har gått nästan 4 hundra år går det fortfarande rykten om att Digby, som inte bara var hovman och diplomat, utan också en uppfinnare och alkemist, själv orsakade sin frus död. Vissa säger att han gav Venedig en blandning av huggormblod att dricka, med vilket han hoppades kunna bevara dess skönhet. Andra tror att han dödade henne i en avundsjuka - trots allt påstås han en gång ha sagt om Venedigs ökända lyktighet att "en klok och stark man kan göra en ärlig kvinna även från en bordellarbetare". Intressant nog, även om en obduktion utfördes, har dess resultat inte bevarats.

Digby fann sig dock förstörd av Venedigs död. Han skrev till sin bror att Van Dycks postume porträtt”är den enda ständiga följeslagare jag har nu. Han står hela dagen framför min stol och bord … och hela natten vid sängen. När det svaga månskenet faller på honom, verkar det som om jag verkligen ser henne död."

Med andra ord, enligt Digbys brev har den lilla oljemålningen av Van Dyck, mindre än en kvadratmeter stor, blivit en tröst och tröst för den sorgsömde änklingen. Om rosen i bilden verkligen är "emblemet" för livets förgänglighet, symboliserar själva bilden det som kan kallas sorgens konst.

Förutom begravningsmonument i kyrkor, som huvudsakligen installerades till minne av den avlidne, hittades temat sorg i västerländsk konst före Van Dycks era, på medeltiden och under renässansen som regel endast i religiösa målning och skulpturer tillägnade den tragiska historien om Kristi död …

Michelangelos Pieta i Peterskyrkan

Michelangelos fantastiska marmorpieta i Peterskyrkan är det enda skulpturverk han någonsin har signerat. Hon skildrar den sörjande Jungfru Maria med den döda Kristus liggande i knät. Detta är kanske det mest kända exemplet, men det finns många andra. Till exempel kan man peka ut en målning av en annan högrenässanskonstnär och vän till Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Enligt experter på National Gallery är målningen (där del Piombo arbetade med Michelangelo) "Lamentation of the Dead Christ" (c.1512-1516) "det första storskaliga nattlandskapet i historien" och dess månbelysta himmel matchar perfekt den dystra stämningen.

Michelangelos Pieta i Peterskyrkan är en berömd version av en av de vanligaste bilderna inom katolicismen: Jungfru Marias sorg över hennes sons död

Naturligtvis har det traditionella temat sorg för Kristus skildrats av många kända författare i konsthistorien, från Giotto och Mantegna till Rubens och Rembrandt. Det här är bara några av de tusentals konstnärer som har skildrat denna bibliska scen i en eller annan form genom århundradena. Sorgskonsten har verkligen blivit så allestädes närvarande att ibland glömmer folk vad de tittar på. Kurator för Rodins nya utställning på British Museum publicerade nyligen en artikel som föreslog att den berömda franska skulpturen Tänkaren i själva verket borde heta The Sourner. "Titta noga på handen och hakan", sade Ian Jenkins, en myndighet om antik grekisk konst. - Om den här personen tänkte på något, hade han täckt hakan med handen i en omtänksam gest. Men i denna skulptur stöder handen hakan. Och i det antika Grekland var det en gest av sorg."

"Isle of the Dead" av Arnold Böcklin

Oljemålning på trä av Arnold Böcklin "Isle of the Dead", 1880. Dess intrig är baserat på antik grekisk mytologi. Målningen inspirerade skräckfilmen med samma namn av Jacques Tourneur

Om du skriver in ordet "sorg" i en sökmotor online på något internationellt museum kommer det att ge många resultat. Till exempel i Storbritannien gav en sökning efter detta nyckelord på Tate Gallery -webbplatsen 143 konstverk på temat sorg och lidande från olika perioder.

Till exempel, på 1700 -talet började konstnärer se sorg och sorg genom prisma i Shakespeare -drama. Ett favoritämne var döden av kung Lears dotter Cordelia. På 1800-talet är John Everett Millais fantastiskt detaljerade målning Ophelia (1851-52), för vilken modellen Elizabeth Siddal poserade flera timmar dagligen i badkaret i fyra månader, ett känt och mycket poetiskt visuellt uttryck för sorg. Den skildrar en dansk adelskvinna från Shakespeares Hamlet som blev galen av sorg över sin mördade pappa och drunknade sig själv i en bäck.

Rodins tänkare

Ian Jenkins från British Museum anser att Rodins The Thinker bör kallas The Sourner eftersom figuren vilade hakan i en knuten näve - ett tydligt tecken på att personen är tillbakadragen och nedsänkt i sin egen sorg.

Sorg var ett mycket viktigt ämne för konstnärer under den viktorianska eran, då en komplex "sorgekultur" var populär. I sin Art of Death (1991) konstaterar konsthistorikern Nigel Llewellyn att "en imponerande visuell dödskultur" var ett kännetecken för 1800 -talet.

"Weeping Woman" av Picasso

Under 1900 -talet fortsatte konstnärer traditionen hos sina viktorianska förfäder att uttrycka sorg i sina verk. Det kanske bästa exemplet är Picassos Weeping Woman (1937), som är kopplat till hans episka målning Guernica samma år, målad under det spanska inbördeskriget som svar på det tyska flygplanet som bombade en baskisk stad. Guernica anses av många vara det ultimata uttrycket för 1900 -talets kollektiva sorg. Naturligtvis finns det många exempel på andra målningar från 1900 -talet, vars tema är relaterat till sorg. Till exempel kan du komma ihåg en liten målning av Lucian Freud, målad av honom 1973 - ett porträtt av hans mamma, ledsen över hennes mans död.

"Triptyk" av Francis Bacon

Francis Bacon målade i Triptykens vänstra panel (augusti 1972) hans älskare George Dyer, som begick självmord

Francis Bacons triptyk, som också visas på Tate idag, har lyckats beröra både personlig och offentlig sorg. En av Bacons så kallade Black Triptychs målades efter självmordet på sin älskare George Dyer, vars bild kan ses i den vänstra panelen. Således är triptiken ett oförglömligt och mycket personligt vittnesbörd om målarens lidande (som för övrigt är avbildat i den högra panelen).

Naturligtvis kunde två världskrig under 1900 -talet inte annat än påverka konsten. Konstkritiker hävdar att kriget hade en djupgående effekt på hur konstnärer skildrade sorg, jämfört med 1800 -talet. Till skillnad från viktoriansk sorg, där enskilda familjer upplevde individuell sorg, led nästan varje familj i Europa plötsligt.

Krigsminnesmärken

En konsekvens av detta var en officiell regeringsinsats för att”skapa en lämplig visuell kultur för sorg”. De klassiska, allegoriska begravningsfigurerna så älskade av viktorianerna föll ur mode. I deras ställe fanns krigsminnesmärken som betonade det gemensamma nationella uppoffret snarare än förlusten av individer.

Cenotaph War Memorial nära Whitehall, London, designat av Edwin Lutyens, är ett arketypiskt exempel på detta nya tillvägagångssätt: I stället för mänskliga figurer finns det en tom kista som kan associeras med vilken soldat som helst. Sorgande familjer kan använda den som en universell symbol.

Taryn Simon gjorde installationen "Occupation of Loss", som deltog i 21 "professionella sörjande" från olika kulturer

Sorgens mångsidighet är fortfarande ett tema som behandlas av samtida konstnärer. Tidigare i år fick den amerikanska fotografen Taryn Simon fina recensioner för sin liveinstallation Occupation of Loss, iscensatt i en underjordisk hall i norra London. För arbetet, som hade premiär i New York 2016, bjöd Simon in 21”professionella sörjande” från hela världen, inklusive Albanien, Azerbajdzjan, Ecuador, Ghana och Venezuela. Publiken kunde lyssna på var och en av dessa kvinnor.