Hur världens mest kända målningar skapades: Spännande berättelser om stora konstnärers målningar

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Grigory Landau, journalist och filosof, sa en gång: "Konst är en dialog där samtalspartnern är tysta." Målning är en subtil konst, allegorisk, känslomässig och ger tolkningsfrihet. Detta är en hel värld av olösta hemligheter och olösta mysterier. Låt oss försöka öppna slöjan av sekretess över historien om skapandet av de mest kända målningarna av stora konstnärer.

#1. Saint George and the Dragon, Paolo Uccello, 1470

Faktum är att konstnären har två versioner av denna målning. I den här versionen besegrar George draken, som den vackra damen håller i koppel. Målningen har en djup religiös innebörd. Enligt legenden bosatte sig en drake i sjön i en stad i Libyen. Den hedniske kejsaren beordrade att vackra flickor skulle offras för honom. När det inte fanns några unga kvinnor kvar i staden skickade kejsaren sin egen dotter till draken. Den modiga krigaren George gick för att rädda henne och besegrade draken. Prinsessan här symboliserar den förföljda kristna kyrkan, draken - hedendom och George - den kristna tron. Det finns versioner som George, senare erkänd som helgon, trampar inte bara hedendom, utan djävulen själv, den "gamla ormen".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" är ett självporträtt av konstnären. Så här avslöjar han betydelsen av sitt verk:”Färg finns överallt. Jag tror att färg är liv. Vårt huvud måste rotera i en spiral för att förstå att allt som omger oss inte är annat än färger. Färg är universum, universum är liv, målning är liv."

# 3. Bath, Jean-Leon Gerome, 1885

Experter tror att denna bild och en serie liknande i Jerome -verket symboliserar "vit" snobberi. Detta kan ses från dynamiken i figurerna som visas på duken. Den vita kvinnan är det dominerande ämnet, medan den svarta kvinnan är underdanig.

#4. Garden of Earthly Delights, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch är en av de mest mystiska artisterna i världen. Symboliken i hans målningar är så förvirrad att det helt enkelt är omöjligt att hitta en enda förklaring till det stora antalet symboler som visas på dem. Detta verk fick sitt namn från konstkritikerna som studerade det. Det ursprungliga namnet förblev okänt. Historiker tror att triptykens vänstra panel är himlen, den centrala är modernt syndigt människoliv och den högra panelen visar helvetet. Men bilden väcker många fler frågor än den svarar på.

#5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Det här arbetet är inte alls en karikatyr av smutsspelet. Det är snarare en lugn berättelse som Caravaggio var väl medveten om. Konstnären själv ledde trots allt sitt liv lättsinnigt och till och med våldsamt. Handlingen går ut på att beskriva ett utspelande drama - ett drama av bedrag och förlorad oskuld. Den naiva ungdomen togs i omlopp av erfarna skärpare. Den äldste kikar på hans kort och ger tecken till en annan fusk.

# 6. Watson och hajen, John Singleton Copley, 1778

Bilden visar ett fall från det verkliga livet. År 1749, i Havanna, bestämde sig Brooke Watson, en 14-årig hyttpojke, för att ta ett dopp. En haj attackerade honom. Kaptenen på skeppet som pojken tjänstgjorde på försöker rädda honom genom att döda hajen med en harpun. Kaptenen lyckades bara på det tredje försöket. Watson, i denna ojämlika strid, tappade foten. Hela sitt liv gick han sedan med ett träben. Detta hindrade honom inte från att bli borgmästare i London. Samtidigt träffade han konstnären och berättade för honom denna historia. Vilket var inspirationen för John Copley.

# 7. Komposition VIII av Wassily Kandinsky, 1923

Från barndomen var Kandinsky fascinerad av färg. Konstnären trodde att han hade transcendentala egenskaper. Kandinsky skrev sina kompositioner som kompositör av en symfoni. Varje komposition speglade konstnärens vision i sin egen tidsperiod. Kandinsky använde geometriska former i sina verk, eftersom han trodde på deras mystiska egenskaper. Figurernas färger reflekterade känslor.

#åtta. Saturn slukar en son, Francisco Goya, 1823

Vid hög ålder blev Goya döv och hans hälsa i allmänhet, både fysisk och psykologisk, försämrades. Det är med detta som historiker förknippar hans skrivande med en serie på 14, som de kallades "dystra bilder". Som han målade inuti på husets väggar. "Saturnus slukar en son" är en av dem. Detta är en välkänd antik grekisk myt om titanen Kronos (senare bytte romarna honom Saturnus). Cronus fick veta att han skulle störtas av sin egen son. Och Saturnus åt alla sina nyfödda barn. I Goya framställs Saturnus som en fruktansvärd, halvgalen gubbe som inte äter en bebis, utan ett vuxet barn. Det finns många tolkningar av betydelsen av denna duk. Men det viktigaste är att konstnären inte skrev det för allmänheten. Kanske på detta sätt försökte Goya utdriva sina egna demoner.

#nio. Deer at Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

Konstnären skildrade en vanlig scen från vardagen i New York i början av 1900 -talet. En privat kampklubb som vanligtvis var belägen i fattiga stadsdelar. Utomstående som inte var medlemmar i klubben kallades "rådjur" där. De fick tillfälligt medlemskap för att slåss. Bellows målade bilden på ett sådant sätt att när du tittar på den får du intrycket av att du är bland stridens åskådare.

#tio. En vän i nöd, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"A Friend in Need" är den mest populära filmen i serien Dogs Playing Poker av Cassius Marcellus Coolidge. Denna serie beställdes av Coolidge av Brown & Bigelow för att annonsera cigarrer. Även om Coolidges målningar aldrig betraktades som sann konst av kritiker, har de sedan dess blivit ikoniska.

#elva. Potatisätarna, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh ville skildra bönderna som de verkligen är. Han ville visa ett helt annat sätt att leva, annorlunda än överklasserna. Han skrev senare till sin syster och konstaterade att potatisätarna var hans mest framgångsrika målning.

#12. The Raft of Medusa, Theodore Gericault, 1819

Duken "Raft of Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") skildrar efterdyningarna av kollapsen av den franska marinfregatten "Medusa". Några av människorna passade in i båtarna, för de återstående 147 personerna byggdes en flotta snabbt. Båtarna bogserade flottan. Men kaptenen, som märkte att flottan var för tung, beordrade repen att klippas av. Nästan ett och ett halvt hundra människor fick stå för sig själva utan mat och vatten. Under 13 dagar av sin resa på en flotta, med ett spöklikt hopp om räddning, överlevde 147 människor 15. Galna av hunger och törst åt människor varandra och drack blod. Frankrike ville tysta ner den här skamliga historien, men den var för uppenbar och det lyckades inte.

#13. Pråmtransporter på Volga, Ilya Repin, 1873

Detta verk är det mest kända av Ilya Repin. Bilden har blivit en kult. Arbetet som konstnären utförde var allvarligt. Repin träffade personligen alla pråmtransporter som avbildas i målningen. Konstnären skrev hundratals skisser och ägnade 5 år åt detta arbete. Både historiker och samtida anser att målningen är en direkt fördömande av de förtryckta klassernas hårda arbete. Även om Repin alltid förnekade denna åsikt.

#fjorton. Susanna och de äldre, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna och de äldre är en bibelhistoria från Gamla testamentet. Under kejsaren Nebukadnesars regeringstid föll det judiska folket i slaveri för babylonierna. Bland dem fanns Susanna med sin man Joachim. Kvinnan hade en ovanlig skönhet och två äldste önskade henne. De hotade henne att om Susanna inte var snäll mot dem, skulle de berätta för folket att hon var en äktenskapsbrytare. Kvinnan vägrade, och de äldste efterlevde deras hot. Hon dömdes till döden enligt judisk lag. Men sedan ingrep den unge profeten Daniel. Han kom på idén att förhöra männen, först separat och sedan tillsammans. Deras versioner sammanföll inte, förtalet avslöjades. Susanna friades och de äldste avrättades. Det är mycket anmärkningsvärt att konstnären bara var 17 när hon målade den här bilden. För Artemisia själv blev hon profetisk, för senare hände en liknande historia med henne.

#15. Gross Clinic, Thomas Eakins, 1875

Handlingen i denna bild är baserad på en operation som Eakins bevittnat. Det utfördes av en av de bästa kirurgerna i Amerika, Dr Samuel Gross. Operationen utfördes i klassrummet framför eleverna i syfte att undervisa. Läkaren visade hur man behandlar infektionen med en konservativ operation, snarare än amputation av hela lemmen (som var standard vid den tiden). Duken skildrar verkligheten utan utsmyckning: både Grosss lugna professionalism och kvinnans lidande i nedre vänstra hörnet. Forskare tror att patientens mor. Kritiker och tittare betygsatte verket, till Eakins förskräckelse, extremt negativt. Människor som lugnt funderade över planerna för blodiga strider var inte redo att överväga realismen i en medicinsk operation.

#16. Vandraren över dimman, Caspar David Friedrich, 1818

"Wanderer over the sea of dimma" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") är en duk där konstnären förblev trogen sin romantiska stil. På bilden skildrade Friedrich sig själv, stod ensam med ryggen mot betraktaren på en mörk brant sten. "The Wanderer Obove the Sea of Fog" är en metafor. Det handlar om självreflektion, om en okänd framtid. Friedrich sa om detta verk på detta sätt: "En konstnär måste inte bara rita det som står framför honom, utan också det han ser inuti sig själv." # 17. Skördarna, Jean-Francois Millet, 1857

Målningen Des glaneuses visar tre bondekvinnor som samlar spikelets som återstår efter att ha skördat ett fält. Böndernas hårda, ödmjuka arbete väckte sympati från konstnären. Det var dessa känslor som uttrycktes i bilden. Men i samhället väckte arbetet negativ kritik från överklasserna. Frankrike upplevde nyligen en revolution och adeln fann denna bild som en obehaglig påminnelse om att det franska samhället bygger på de lägre klassernas arbete. Och eftersom arbetarklassen vid denna tid var fler än överklassen, befarade de att bilden på något sätt kan få den lägre klassen att göra uppror.

#arton. Skriket, Edvard Munch, 1893

Skriket är ett av världens mest mystiska mästerverk. Munch sa att han en gång gick ut på en promenad i solnedgången. Den nedgående solens ljus färgade molnen ett blodrött. Och Munch hörde plötsligt, kände, som han uttryckte det, "naturens oändliga rop". En annan förklaring kan vara resultatet av Munchs känslomässiga tillstånd, eftersom hans syster nyligen skickades till en galen asyl. Denna målning har kidnappats många gånger. Handlingen kan anses vara profetisk: i slutet av 1800 -talet beskrev Munch katastroferna under 1900 -talet.

#19. The Great Wave off Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829-1833

Kompositionen består av tre huvudelement: ett stormigt hav, tre båtar och ett berg. Det snötäckta berget är Mount Fuji, som japanerna anser vara heligt. Det är en symbol för nationell identitet och skönhet. Sådana spel med utrymme och ljusa färger, ovanligt för asiatisk målning. Bilden symboliserar en persons rädsla för ett okuvligt element och en tvingad underkastelse till det.

#tjugo. The Starry Night, Vincent Van Gogh, 1889

"Starry Night" är ett mästerverk som, efter att ha sett det bara en gång, kommer du aldrig att glömma det igen. Konstnären målade den på ett sjukhus för psykiskt sjuka. Dessa virvelströmmar, enorma stjärnor … Vissa tror att Van Gogh skildrade en vy från fönstret. Men de sjuka fick inte gå ut på gatan, de var till och med förbjudna att arbeta på avdelningen. Vincents bror bad sjukhusledningen att ge honom ett rum så att han kunde skriva. Forskare tror att Van Gogh avbildade i sitt måleri ett sådant fenomen som turbulens - virvelströmmar från vatten och luft. Detta kan inte ses, men den ökade uppfattningen av konstnären hjälpte honom att se vad som är dolt från vanliga dödligas ögon. 10 saknade och nyfunna mästerverk av stora mästare. Baserat på material