Varför man tror att en bra artist ska vara fattig och olycklig

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Samtida konstnärer har framgångsrikt avslöjat myten om att de verkligen måste se excentriska ut, bära en gammal basker över sitt långa hår och en väst. De flesta skaparna ser snygga och till och med imponerande ut. Men de lyckades inte hantera alla stereotyper. Till exempel finns det fortfarande en tro på att en begåvad konstnär ska vara fattig. Och visst lida. Oavsett om det är olycklig kärlek, dåliga vanor eller bara livets omständigheter, fattigdom bör inte vara den enda lasten. Var kom det ifrån och är konstnärer och andra skapare verkligen fattiga och olyckliga?

Om vi omedelbart vänder oss till fakta, bestämde UNESCO till exempel perioden mellan att måla en bild och dess världsomspännande erkännande (naturligtvis i allmänhet, förutsatt att den är erkänd) till 50 år. En enorm tid, om vi betraktar det i samband med mänskligt liv, och inte världshistorien. Är det inte därför de flesta artisterna, utan att få erkännande under sin livstid, dog i fattigdom? Detta innebär att denna stereotyp inte är annat än en livsobservation, folklig visdom.

Dessutom är denna princip lämplig inte bara för konstnärer och deras skapelser, utan för alla skapare och innovatörer. Var det en kreativ person, en matematiker eller en programmerare. Samhället och marknadsekonomin accepterar inte direkt något konceptuellt nytt. Naturligtvis, om vi pratar om konstnärer, så om den här skaparen dekorerar det som säljs nu, då kan han tjäna pengar, men det är värt att tillkännage innovation, då kommer alla att skopa skeptiskt. Därför är det stor skillnad om en konstnär arbetar för åldrarna eller för marknaden. Det finns dock exempel som bevisar att det ena inte stör det andra.

Men faktum kvarstår att geniala skapelser skapas efter vanligt arbete, och det senare kännetecknas inte alls av sublimitet. Men inte alla skapare är så kloka, som regel har de en komplex och impulsiv natur, de gick inte med på sådana kompromisser som dömde dem till en dålig existens.

Fattiga människor och dollarälskare

Salvador Dali kallade sig en "dollarälskare" och beskrev därmed sina egna ambitioner. Han gjorde sitt namn till ett varumärke under sin livstid och använde det aktivt. Naturligtvis, utan hans talang, hade uppmärksamheten inte dragits till honom, men vi borde hylla den hype som han omgav sig med, skulle vara avund av moderna kändisar. Vad är hans historia med sin fru Gala. När allt kommer omkring skulle resten av männen anse det som skamligt att avslöja sådana detaljer om sitt familjeliv, men Dali berättade villigt för alla, inklusive i en intervju, att hans fru bor med älskare i ett närliggande slott, och han själv kommer bara till henne på inbjudan.

Och den här historien som har blivit utbredd? Säg att Dali, när han betalade för middag på en restaurang, gjorde en liten teckning på baksidan. En restaurangcheck kostade mer än själva lunchen, så den blev aldrig kontant. För artisten var det ingenting värt.

Trots att han aldrig arbetade för låga löner fick han alltid ett stort antal order. Detta ledde ofta till det faktum att han slog ner sin egen marknad och minskade kostnaden för individuellt arbete. Men istället för att ta timeout började han arbeta ännu hårdare och översvämmade bokstavligen marknaden med målningar, skisser, illustrationer, möbelprojekt.

När andra kändisar inte ens hade tänkt på att filma i reklam, hade Dali redan rekommenderat att köpa ett visst märke choklad från skärmarna. Sedan fanns det en annons för ett bilmärke, ett flygbolag och till och med tuggummi. En verklig skandal vid tullen avslöjade dock Dalis inställning till pengar - han älskade det mycket.

En påtaglig inkomst fördes till honom av grafik, vars äkthet han bekräftade med sin egen signatur. Men som det visade sig tänkte han inte rita var för sig. De trycktes på en metallplatta och tomma ark signerade med en mätare förbereddes i förväg. Det var dem i mängden 40 tusen exemplar som hittades hos tullen. Lakan var billiga, men Dali signerade dem mycket snabbt. I genomsnitt kunde han registrera upp till 70 tusen dollar per timme.

I början av 1900 -talet delades konstnärssamfundet tyst upp i dem som arbetade (eller åtminstone sökte) för att arbeta lika ekonomiskt produktivt som Salvador Dali, och de som hedrade uteslutande okända tiggergenier som Vincent van Gogh. Under sitt liv sålde han för en mer eller mindre anständig summa av 400 franc sitt enda verk "Red Vineyards". Alla andra verk utvärderades efter hans död. Han misslyckades inte bara med att tjäna, han kunde inte ens försörja sig med en anständig existens.

Hans familj fördömde honom alltid, samhället förstod inte och accepterade inte, och det enda som tröstade honom var att måla. Han arbetade mycket hårt, även om detta inte kan kallas arbete, eftersom han aldrig fick betalt för målningarna. Är det möjligt att acceptera posthum berömmelse och evighet i ättlingarnas minne som betalning?

Van Gogh skrev att om han kunde tjäna minst tusen franc om året, skulle han ha börjat måla på en mil och med ännu större glädje, men detta hände inte och den lysande konstnären gick med ilska och okänd talang.

En idealiserad bild av en hungrig konstnär

För att vara ärlig till slutet hade inte bara konstnärerna själva en hand med att idealisera bilden av det okända geni. Franz Kafka beskriver i sin berättelse "Hunger" en man som hade en mycket märklig inställning till konst (dock som Kafka själv) och hela essensen av hans självuttryck var i en hungerstrejk. Nu skulle det kallas en föreställning, men tydligen vid den tiden uppfattades de inte riktigt, eftersom människor tittade, tittade på konstnären som dog av hunger och sedan bar ut kroppen med en hög med halm.

Kafka demonstrerar ironiskt nog sin inställning till fackförbundets "konstnärspengar" och tror att ett verkligt geni och en skapare måste lida, "svälta" för sin konstsyn. Och om han tjänar bra, får bra mat, är välmående och är i harmoni med den nuvarande regeringen, då är han en tjänare för kapitalisterna. Det verkliga geni är alltid okänt under hans livstid och helst tiggare.

Knut Hamsun i sin roman "Hunger" hade också en hand med att skapa samma bild, som beskriver författaren med hallucinationer från hunger. Hemingway ansåg också att en författare borde vara hungrig för att bättre kunna tänka på det eviga, för att vara ett steg över sina ätna läsare. Men författaren själv var härligt avkopplande på orter och levde lyckligt någonsin, inte strävar alls efter en asketisk livsstil.

Kanske fattigdom till viss del löser händerna på skaparna av målningar och inte bara. En konstnär, okänd av någon, kommer att skapa på det sätt som står honom nära, utan att försöka imponera på kritiker, utan att ta hänsyn till framtida köpares önskemål och mycket mer. Han har möjlighet att experimentera utan att se tillbaka på sina kollegors åsikter, han är inte rädd för att allmänheten inte kommer att godkänna (hon godkände inte längre), han ger sig in i förståelsen av djupa ämnen och eviga värderingar. Är detta inte en förutsättning för att skapa ett mästerverk?

Andra uppfattar fattigdom som frihet, för om en konstnär ger sig själv till måleri, utan att bry sig om banalt och rutinmässigt arbete på marknaden, har han mycket mer tid för experiment och att måla själv. Pablo Picasso sa att "inspiration finns och kommer under arbetet." Det vill säga att du inte ska ligga på soffan och vänta på musens ankomst, som kommer att leda med handen till duken och låta dig rita ett mästerverk värt miljoner.

Rockmusikern Nick Cave sa att inspiration inte alls finns. Kallade kreativitet arbete, han minskade inte talangens roll i det minsta. Men talang ensam räcker inte, du behöver uthållighet och arbete. Mycket jobb. Först då händer briljanta saker. Därför är rekommendationen "att skapa evighet efter arbete" snarare en teoretisk formulering, praktiskt taget orealiserbar i verkligheten.

Lidande och rädsla för artisten

Det enda som alla, utan undantag, förväntar sig av något konstverk - känslor. Glädje, förtjusning, skräck, avsky, rädsla - det är inte viktigt, huvudsaken är att energin kommer från bilden, annars, varför är det allt? Kan en konstnär som sov, åt en rejäl och välsmakande frukost, vars hus är fullt, hans älskade fru är upptagen med middag och barn (nödvändigtvis friska och heterosexuella) fyller huset (säkert ljust och rymligt, byggt för sina egna avgifter) med deras röster och skratt, plötsligt skapar ett mästerverk som skulle vända andras själar ut och in? Tveksam.

Många konstnärer ackumulerar medvetet negativa känslor: rädsla, ilska, förbittring, de hjälper till att ge sitt arbete den nödvändiga nivån av energi och skärpa. Dessa problem hade dock ingenting att göra med deras talang, utan snarare härrörde från deras sociala status och livsstil. Samma van Gogh led av psykiska störningar från barndomen och lidande var en del av hans liv.

Ofta har genier psykiska störningar. Det senare, trots att de i själva verket förstör personligheten, under de bästa perioderna, kan bli orsaken och grunden för skapandet av mästerverk eller vetenskapliga upptäckter. Men är detta en tillräcklig betalning för år av lidande, plåga, ångest och depression? Schizofreni, bipolära sjukdomar, ångest, depression - allt detta kan och driver en person mot uttryck genom konst, men gör livet, både av personen själv och hans nära och kära, helt enkelt outhärdligt. Ofta slutade geniernas liv med självmord - ytterligare ett bevis på att lidandet var outhärdligt.

Rysk konstartel

År 1963 lämnade hela 14 konstnärer den ryska konsthögskolan. Och dessutom med en skandal. De fick inte möjlighet att välja ämnen på de målningar som skulle lämnas till tävlingen. Så många konstnärer, som kände varandra och plötsligt befriade sig från sin huvudsakliga sysselsättning, bestämde sig för att grunda sitt eget samhälle. De förenade sig i en artel och försökte tjäna pengar på det de visste hur - genom att måla bilder, inklusive att beställa.

De gav till och med en sorts annons i tidningar med en indikation på listan över tjänster de tillhandahåller och deras kostnad. Utbudet av tjänster var mycket varierande, konstnärer och ikonostaser och porträtt och målningar målade. Och allt detta med oljefärger och akvareller och pasteller. Handledningstjänster erbjöds också.

Livet i en artel kostade konstnären cirka 25 rubel i månaden, och det kollektiva sökandet efter beställningar var en mycket bra idé och gav en bra vinst. Till exempel började priset för porträtt från 75 rubel och mer. Priset berodde för det mesta på konstnärens erfarenhet och talang, hans namn och inte storleken på duken.

Många konstnärer, vars dukar tillhör världens mästerverk och nu värderas till en förmögenhet, skapades faktiskt av mästare som skapar konst för konstens skull. Deras medvetande, som inte passar in i normalitetens ramar och därför icke-erkännande av deras talang under livet, blev för många orsaken till att deras namn förevigades i historiens annaler. Efterkommande, som om de känner sig skyldiga inför geni, odlar sin talang, ser Guds gnista i hans skapelser och den tragiska historien om hans fattigdom och berövande kompletterar bara helhetsbilden.

Ofta hade genier, förutom en komplex karaktär och konstigheter, också mentala avvikelser. Vissa genier i Sovjetunionen, som satt sina spår inom vetenskap och konst, är mer benägna att tacka detta för deras schizofreni, vilket gör att man kan tänka utanför ramarna..