9 mästerverk av lysande konstnärer som inspirerade stora modedesigners och skapade unika samlingar

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Genom historien har mode och konst gått hand i hand för att skapa en bra kombination. Många modedesigners har lånat idéer från konstnärliga rörelser för sina samlingar, vilket har gjort det möjligt att tolka mode som en konstform som främst tjänar till att uttrycka idéer och visioner. Påverkad av detta har några internationellt kända modedesigners skapat enastående samlingar baserade på 1900 -talets konstnärliga rörelser.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne föddes i norra centrala Frankrike 1876 och var känd som "stilens gudinna och skräddarsydda drottning". Under sin vistelse i Rom fascinerades hon av de grekiska och romerska civilisationernas konst och kultur och inspirerades av gamla gudinnor och statyer. Baserat på dessa konstverk formade hon estetiken i sin stil och kombinerade element i grekisk skulptur och arkitektur för att ge en ny dimension till kvinnokroppen. Med sin skicklighet i drapering och snedställda klänningar revolutionerade Madeleine det moderna mode. Hon konsulterade ofta konstverk som The Winged Victory of Samothrace för sina konstsamlingar.

Likheterna mellan mästerverket i hellenistisk konst och Vionnes musa är slående. Djup drapering av tyget i stil med den grekiska chitonen skapar vertikala ränder av ljus som strömmar ner i figuren. Skulpturen skapades som en hyllning till Nike, den grekiska segergudinnan, och beundras för sin realistiska avbildning av rörelse. Den flytande gardinen i Vionnet -designen påminner om rörelsen av böljande tyg som fäster vid Nikes kropp. Klänningar kan vara som levande varelser med en själ, som en kropp. Precis som Winged Victory of Samothrace skapade Madeleine klänningar som väcker den mänskliga essensen dold djupt inuti. Klassicismen, både en estetisk filosofi och en designfilosofi, gav Vionne möjlighet att förmedla sin vision i geometrisk harmoni.

Hon fascinerades också av samtidskonströrelser som kubism. Madeleine började införliva geometriska former i sina skapelser och antog en annan metod för att klippa dem som kallas fasskärning. Naturligtvis hävdade Vionne aldrig att ha uppfunnit det sneda snittet, utan bara utökat dess användning. När kvinnor gjorde stora framsteg i kampen för sina rättigheter i början av 1900-talet försvarade Madeleine deras frihet genom att avskaffa den långvariga viktorianska korsetten från kvinnors vardagliga kläder. Därför blev hon en symbol för kvinnornas befrielse från bystens begränsning och släppte istället nya, lättare tyger som bokstavligen flödade över kvinnors kroppar.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli är Valentinos chefsdesigner och lockas mycket av medeltidens religiösa verk. Utgångspunkten för inspiration för honom är övergångsstunden från medeltiden till norra renässansen. Han samarbetade med Zandra Rhodes och tillsammans utvecklade de en inspirerande kollektion våren 2017. Piccioli ville koppla samman punkkulturen i slutet av 70 -talet med humanism och medeltida konst, så han återvände till sina rötter och renässansen och fann inspiration i Hieronymus Boschs målning The Garden of Earthly Delights.

Den berömda nederländska målaren var en av de mest framstående representanterna för norra renässansen på 1500 -talet. I "Garden of Earthly Delights", som Bosch målade före reformationen, ville konstnären skildra paradiset och skapandet av mänskligheten, den första frestelsen från Adam och Eva, liksom Helvetet, i väntan på syndare. I mittrutan verkar människor tillfredsställa sina aptit i en värld av nöje. Bosch ikonografi sticker ut för sin originalitet och sensualitet. Hela bilden tolkas som en allegori om synd.

I modevärlden blev målningen populär eftersom olika modedesigners fascinerades av dess motiv. Blandade epoker och estetik, tolkade Piccioli om Boschs symboler med genomskinliga genomskinliga klänningar, medan Rhodes skapade romantiska tryck och broderade mönster som liknade det ursprungliga konstverket. Färger var verkligen en del av budskapet designerna ville förmedla. Således är samlingen av flygande drömmande klänningar baserad på den norra färgpaletten av äppelgröna, blekrosa och blå robinägg.

3. Dolce och Gabbana

Peter Paul Rubens målade mästerligt kvinnor med kärlek, lärande och flit. Han presenterade sin "Venus framför spegeln" som den högsta symbolen för skönhet. Peter porträtterade exklusivt hennes ljusa ansikte och blonda hår, som står i kontrast till den mörkhyade pigan. Spegeln är en absolut skönhetssymbol som ramar in en kvinna som ett porträtt och samtidigt subtilt framhäver figurens nakenhet. Spegeln som Amor håller för gudinnan visar Venus reflektion som en representation av erotisk attraktion och lust. Rubens, som var en av grundarna till barockkonst, och hans koncept om "färger över linjer" påverkade flera modedesigners, däribland Dolce & Gabbana. Barockstilen avvek från renässansens anda, övergav lugn och elegans och sökte istället elegans, spänning och rörelse.

Modedesigners Domenico Dolce och Stefano Gabbana ville skapa en kampanj som skulle fira den sensuella och den romantiska sidan av kvinnlig skönhet. Peter Paul Rubens var den mest lämpliga inspirationskällan. Kultduon skapades i stor harmoni med den flamländska konstnärens konst. I denna samling poserade modeller med stor adel och såg ut som om de precis hade klivit av en av Rubens målningar. Dekorationerna utformades för att likna barockspeglar och broderidetaljer. Figurernas graciöshet och pastellfärgspaletten betonades vackert av den brokade rosa klänningen. Valet av modedesigners att inkludera en mängd olika modeller bidrog ytterligare till kroppstypen för den tiden. De kurviga linjer som Dolce och Gabbana använde stred mot diskriminering av olika kroppstyper i modeindustrin.

Kollektionen Dolce och Gabbana Women's Fall 2012 visar många av funktionerna i italiensk barockarkitektur. Denna kollektion matchar perfekt de rikt dekorerade egenskaperna hos den sicilianska barockstilen. Formgivarna fokuserade på barockarkitektur, som ses i de katolska kyrkorna på Sicilien. Referenspunkten var målningen av Rubens "Porträtt av Anna av Österrike". I sitt kungliga porträtt skildras Anna av Österrike på spanskt sätt. Annas svarta klänning är dekorerad med vertikala ränder av grönt broderi och gulddetaljer. Konstigt designade klänningar och kappor av lyxiga textilier som spetsar och brokader har blivit huvuddragen i Dolce och Gabbana -showen, som erövrade världen med sin kreativitet.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga kan kallas en sann mästare som reformerade kvinnors mode under 1900 -talet. Född i en liten by i Spanien, tog han med essensen i spansk konsthistoria i sina samtida projekt. Under hela sin karriär imponerades Balenciaga av den spanska renässansen. Han sökte ofta inspiration från den spanska kungafamiljen och prästerna. Modedesignern förvandlade tidens kyrkartiklar och klosterrockar till bärbara mode -mästerverk.

En av hans stora inspirationer var manneristen El Greco, även känd som Dominikos Theotokopoulos. Om man tittar på kardinal El Greco Fernando Niño de Guevara kan man se likheterna mellan kardinalens udde och Balenciagas design. Målningen visar den spanska kardinalen Fernando Niño de Guevara från El Grecos tid i Toledo. El Grecos idéer lånades från neoplatonismen i den italienska renässansen, och i detta porträtt presenterar han kardinalen som en symbol för Guds nåd. Manérism finns i hela bilden. Detta märks i en långsträckt figur med ett litet huvud, graciösa men bisarra lemmar, intensiva färger och ett avslag på klassiska mått och proportioner.

Balenciagas passion för historiska kläder framgår av denna extravaganta kvällskappa från hans kollektion 1954. Han hade visionen och förmågan att uppfinna former på modernt sätt. Den överdrivna kragen på den här kappan ekar den säckiga stilen hos en kardinalens kappa. Den röda färgen på kardinalens kläder symboliserar blod och hans vilja att dö för tron. Den levande röda betraktades av den berömda designern som extraordinär, eftersom han ofta föredrog djärva färgkombinationer och levande nyanser. Hans stora innovation var eliminering av midjan och införandet av flytande linjer, enkla snitt och trekvartsärmar. Genom att göra detta revolutionerade Balenciaga kvinnors mode.

Designern introducerade också armbandslånga ärmar som tillät kvinnor att visa sina smycken. På 1960 -talet, med den gradvisa introduktionen av kvinnor i arbetsbranschen, hade Balenciaga en idé om att ge tröst, frihet och funktionalitet till de kvinnor han klädde. Han marknadsförde lösa, bekväma klänningar som stod i kontrast med dagens snygga silhuetter.

5. Alexander McQueen

Österrikisk konstnär, mästare i symbolik och grundare av den wienska avskiljningsrörelsen, Gustav Klimt lade grunden för 1900 -talets konsthistoria. Hans målningar och konstnärliga estetik har länge inspirerat modedesigners. Andra som Aquilano Rimondi, L'Rene Scott och Christian Dior, designern som direkt hänvisade till Klimt var Alexander McQueen. I Resort Spring / Summer 2013 -kollektionen har han designat unika bitar som verkar inspireras av konstnärens verk. Tittar på en flytande svart klänning med ett upprepande guldmönster ovanpå - en specifik bild kan komma att tänka på. McQueen har använt abstrakta, geometriska och mosaikdesigner i brons- och guldtoner och införlivat dem i hans mönster.

År 1905 målade Gustav Klimt målningen "The Embrace", som visar ett par fångade i en mild omfamning, som blev en symbol för kärlek. Den österrikiska konstnären är känd för sina guldmålningar, liksom den perfekta kombinationen av abstraktion och färg som finns i dessa verk. Alla mosaiker har rika gyllene toner med kalejdoskopiska eller naturliga utsmyckningar som har haft stort inflytande på mode. Denna målning är slående på grund av de kontrasterande geometriska formerna mellan de två älskarnas kläder. Herrkläderna består av svarta, vita och grå rutor, medan damklänningen är dekorerad med ovala cirklar och blommotiv. Således illustrerar Klimt mästerligt skillnaden mellan maskulinitet och kvinnlighet. Alexander antog något liknande för sina kläder.

6. Christian Dior

Grundaren av impressionismen och en av de största franska målarna i konsthistorien, Claude Monet lämnade efter sig ett stort konstnärligt arv. Med hjälp av sitt hem och sin trädgård i Giverny för inspiration fångade Monet det naturliga landskapet i sina målningar. I synnerhet i målningen "The Artist's Garden at Giverny" lyckades han manipulera det naturliga landskapet i enlighet med hans behov. Den bruna smutsbanans kontrast mot blommornas livfulla färg kompletterar scenen. Den berömda impressionisten valde ofta irisblomman på grund av sin lila färg för att skapa effekten av en strålande sol. Denna målning är full av liv när blommor blommar och hälsar, som omfamnar våren. Ros- och lila kronblad, iris och jasmin är en del av ett färgstarkt paradis som avbildas på vit duk.

I samma veva lämnade Christian Dior, en pionjär inom franskt mode, en enorm prägel på modevärlden som fortfarande märks idag. 1949 designade han en haute couture -kollektion för vår / sommarsäsongen. En av höjdpunkterna i denna utställning var den ikoniska Dior -klänningen, helt broderad med blomblad i olika nyanser av rosa och lila. Dior illustrerade perfekt de två konst- och modevärldarna och imiterade Monets estetik i denna funktionella klänning. Han tillbringade mycket tid på landsbygden och målade sina samlingar i sin trädgård i Granville, som Monet gjorde. Således definierade han den eleganta Dior -stilen genom att införliva Monets färgpalett och blommönster i hans skapelser.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian var en av de första konstnärerna som skapade abstrakt konst på 1900 -talet. Han föddes i Nederländerna 1872 och grundade en hel konströrelse som heter De Stijl. Rörelsens mål var att förena samtida konst och liv. Denna stil, även känd som neoplasticism, var en form av abstrakt konst där användningen av endast geometriska principer och primära färger som rött, blått och gult kombinerades med neutrala (svart, grå och vit). Petes innovativa stil från början av 1900 -talet tvingade modedesigners att reproducera denna rena typ av abstrakt konst. Det bästa exemplet på denna målarstil är komposition med röda, blå och gula färger.

En konstälskare, fransk modedesigner Yves Saint Laurent införlivade Mondrians målningar i hans haute couture -skapelser. Han inspirerades först av Petes verk när han läste en bok om konstnärens liv som hans mamma gav honom i jul. Designern uttryckte sin uppskattning till konstnären i sin höstkollektion 1965, känd som Mondrian -samlingen. Inspirerad av konstnärens geometriska linjer och djärva färger presenterade han sex cocktailklänningar som firade hans ikoniska stil och sextiotalet i allmänhet. Var och en av Mondrians klänningar var något annorlunda, men alla delade en enkel A-form och en ärmlös knälängd som var perfekt för varje kroppstyp.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, född 1890 i en aristokratisk familj i Rom, uttryckte snart sin kärlek till modevärlden. Hon började utveckla sin revolutionära stil, inspirerad av futurism, dada och surrealism. När hennes karriär utvecklades interagerade hon med så kända surrealister och dadaister som Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp och Jean Cocteau. Hon samarbetade till och med med den spanska konstnären Salvador Dali.

Ett av modehistoriens största samarbeten var samarbetet mellan Dali och Elsa Schiaparelli. Denna klänning skapades med Salvador Dali som en del av Schiaparellis cirkussamling sommaren 1938. Klänningen hänvisar till målningen av Dali, där han skildrade kvinnor med förvrängda kroppsförhållanden.

För surrealistiska artister var sökandet efter den ideala kvinnan dömt till misslyckande, eftersom idealet existerade bara i deras fantasi, inte i verkligheten. Det var dock inte Dalis avsikt att skildra kvinnor realistiskt, så deras kroppar är inte alls estetiska. Schiaparelli ville experimentera med det här spelet om att gömma och avslöja kroppen, vilket skapar en illusion av sårbarhet och osäkerhet. Klänningen med illusionen av tårar var gjord av ljusblå siden crepe, som hyllade Salvador och hans oproportionerliga kvinnor.

9. Gianni Versace

Popkonstens era var förmodligen den mest inflytelserika perioden för modedesigners och konstnärer i konsthistorien. Andy Warhol var banbrytande blandningen av popkultur och high fashion, vilket gjorde honom till en ikonisk symbol för popkonströrelsen. På sextiotalet började Warhol utöva sin signaturteknik som kallas silketryck.

Ett av hans tidigaste och utan tvekan hans mest kända verk var Marilyn Diptych. För detta verk hämtade han inspiration inte bara från popkulturen, utan också från konsthistoria och abstrakta expressionistiska konstnärer. Andy fångade Marilyn Monroes två världar, en Hollywoodstjärns sociala liv och den tragiska verkligheten hos Norma Jeane, en kvinna som kämpade med depression och missbruk. Diptyken intensifierar vibrationerna till vänster, medan den till höger försvinner i mörker och dunkelhet. I ett försök att representera ett konsumtionssamhälle och materialism framställde han individer som produkter snarare än människor.

Italienska designern Gianni Versace hade en långvarig vänskap med Andy Warhol. Båda männen fascinerades av populärkulturen. För att hedra Warhol ägnade Versace sin vår / sommarkollektion 1991 åt honom. En av klänningarna innehöll Warhol -tryck med Marilyn Monroe. Han införlivade de livliga sidenporträtten av Marilyn och James Dean från 1960 -talet i kjolar och maxiklänningar.

Och i fortsättningen av ämnet mode, skönhet och extraordinära idéer, läs också om hur moderna konstnärer har förvandlat smink till ett riktigt konstverk.