Hur den ryska avantgardens Amazon erövrade Paris och därefter: Natalia Goncharova

2024 Författare: Richard Flannagan | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-16 00:18

Natalia Goncharova är en enastående rysk konstnär, designer och författare. Hon blev känd över hela världen tack vare sina ljusa, saftiga och extraordinära verk som kombinerar flera stilar: från Fauvism och kubism till futurism och jugend. Hon var också känd för sina kostymer och uppsättningar för balett och teater, som var slående i sin mångsidighet och design som var ovanlig för den tiden.

Under 1900 -talets första två decennier absorberade rysk konst nya stilar och filosofi för västeuropeisk konst och flyttade till kulturens framkant. Goncharova och hennes man Mikhail Larionov, med deras arbete och ansträngningar att organisera utställningar och kreativa team, befann sig i centrum för denna konstnärliga revolution, som föregick och följde den politiska omvälvningen i landet.

Natalia föddes i Nagaevo i centrala Ryssland. Familjen Goncharov förlorade sin förmögenhet baserad på linproduktion i slutet av 1700 -talet. Den berömda poeten Pushkin gifte sig med en av sina förfäder, Natalia Goncharova, efter vilken hon namngavs. Hennes far var arkitekt. Familjen till Natalias mor, Belyaev -familjen, födde flera präster och var kända som musikmusiker.

Under sina första år gick Natalya på ett gym i Moskva. Och i en mer medveten ålder, efter att ha bestämt sig för att bli konstnär, gick hon in på School of Painting, Sculpture and Architecture (Moskva), där hon studerade skulptur med Pavel Trubetskoy, som arbetade i stil med Auguste Rodin. Hon lämnade college tre år senare, trots att hon vann en silvermedalj och inte avslutade en tioårig studieperiod för läroplanen. Detta sammanföll med hennes acceptans av måleri som hennes föredragna uttrycksmedium.

1. Karriär och make

År 1900 träffade Goncharova sin blivande make, Mikhail Larionov. Han gick också på college, men målaravdelningen. Hennes beslut att börja måla stöddes av Mikhail, hennes passion för ljusspelet och färgens harmoni i framtiden blev konstnärens kännetecken.

Precis som många ryska konstnärer på sin tid var de första åren av 1900 -talet en period av bekantskap och acceptans av de stilar som utvecklades i västeuropas huvudstäder. På den tiden lockades hon av impressionismen och divisionismen, stilar associerade med Monet och Seurat. Båda stilarna betonade inte bilden av fasta föremål, utan fångst av ljus (färg) som reflekterades från objektet till ögat. Som ett resultat var ritningen vanligtvis lös och tyngdpunkten låg på färg såväl som målarfärg. Detta ledde till en medvetenhet om färg, penseldrag, textur och målning på duk. Dessa två stilar var viktiga för att befria konsten från en rent representativ karaktär. Konstnärer började inse att konst är ett estetiskt uttryck, inspirerat av den fysiska världens utseende, men inte beroende av den.

En gång organiserade den stora ryska baletten impresario Diaghilev inkluderingen av samlingen av målningar av Goncharova och Larionov i den ryska delen av höstsalongen i Paris. Deras deltagande i denna nyetablerade årliga utställning av ny radikal konst (samma år 1906 presenterades den första gruppen Fauves där) vittnar om det faktum att båda konstnärerna ansågs vara modeller för avantgardistendenserna i deras land. Under de kommande nio åren, före sin utvandring från Ryssland, deltog Natalia i ett antal viktiga utställningar, av vilka många hon och Mikhail organiserade. Under denna period presenterades hon också på post-impressionistiska utställningen 1912 som anordnades av Roger Fry på Grafton Gallery i London, samt på personliga utställningar i Moskva och Sankt Petersburg, och på en utställning på Paul Guillaume Gallery i Paris med katalogen över den berömda kritikern Apollinaire.

2. distriktsstil

Halvseklet som föregick krigets början var en period med snabb utveckling av de fina konsterna i Ryssland. Natalia var i framkant i denna rörelse.

Överraskande manifesterades tre olika riktningar samtidigt i hennes arbete: regionalism, nyprimitivism och kubofuturism.

Den första av dem är den ursprungliga stilen tänkt av Mikhail och utförligt undersökt av Natalia.

Districtism var vid den tiden en av de helt abstrakta stilarna i västerländsk konst. Precis som impressionismen koncentrerar sig regionalismen på ljusstrålarna som reflekteras från föremål. Utrymmet i bilden av en strålning är inte mätbart, men är en atmosfär laddad med energi från ett oändligt antal ljusstrålar, antingen direkt från solen, eller, mer troligt, strålar som reflekterar fram och tillbaka från fysiska föremål runt den. Den vägledande principen är rent estetisk genom att färger väljs för sin harmoni eller visuella effekt.

I mer än tre decennier har konstnärer fascinerats av tanken på att skapa icke-figurativ konst baserad på färgsättning. Om musik är helt abstrakt och samtidigt oändligt uttrycksfull kan det inte finnas en konst som använder färg (istället för ljud) som skulle vara lika abstrakt och uttrycksfull.

Istället för de fragmenterade, sammankopplade formerna som finns i kubismen, är Cats -serien baserad på långa, skärande färgstreck. Districtism var en kortlivad stil som nådde sitt slut 1914. Franz Marc, associerad med München Blaue Reiter (med vilken Natalia hade ställt ut två år tidigare), beundrade hennes verk och skrev på ett sätt inspirerat av distriktism, möjligen på grund av hennes inflytande.

3. Primitivismens stil

Hämningslös och rastlös, sökte ny inspiration, förlitade hon sig också starkt på tidiga kubistmålare som Pablo Picasso under en tid. Denna etapp i hennes arbete varade i flera år och täckte hennes målning, inspirerad av den ryska traditionen.

Men hennes illustrationer för flera poesiböcker av Velimir Khlebnikov och Alexei Kruchenykh visade hennes hängivenhet till gamla ryska konstformer som ikoner, religiösa fresker och träsnitt. År 1913 förklarade hon dramatiskt att hon vände sig bort från väst och gav henne sympati för öst.

På en av hennes tidiga utställningar presenterades primitivistiska och kubistiska målningar, och vid en senare utställning, organiserad av hennes man, visades mer än femtio verk av Natalia. Hon drog inspiration till primitivism från ryska ikoner och folkkonst, annars känd som populära tryck. Den andra, senare utställningen uppfattades som ett avsiktligt avbrott med europeiskt konstnärligt inflytande och skapandet av en oberoende rysk skola för samtida konst. Händelsen visade sig vara kontroversiell, och censorn beslagtog Natalias religiöst-tematiska verk "Evangelister", och ansåg att det var blasfemiskt att visa det på en utställning som heter "Åsnans svans". Natalia och Mikhail har länge förföljts för sina verk och hur de uttryckte sig. Men även i de senare verken av Natalia märks påverkan av rysk futurism. Ursprungligen fascinerad av ikonmålning och primitivism av etnisk rysk folkkonst fick Natalia berömmelse i Ryssland för sitt futuristiska arbete (varav en var en målning som heter Cyklisten).

Natalia och Mikhail, målade sina ansikten med hieroglyfer och blommor, gick på gatorna som en del av en primitivistisk konstnärlig rörelse. Natalia själv var då och då inte rädd för att visas offentligt halvnaken med symboler på bröstet. Som ledare för Moskva -futuristerna höll de provocerande föreläsningskvällar i samma veva som deras italienska motsvarigheter. Dessutom skrev och illustrerade Natalia flera avantgardeböcker.

Natalia har varit medlem i avantgardegruppen Blue Rider från den första dagen av grundandet (1911). Fyra år senare tog hon upp utvecklingen av balettdräkter och uppsättningar i Genève. Och snart började hon arbeta med en serie skisser för Diaghilevs balett, men tyvärr blev baletten aldrig förverkligad.

Några år senare flyttade hon till Paris, där hon skapade ett antal uppsättningar för Diaghilevs ryska baletter. Hon ställde också ut på Salon d'Automne och deltog regelbundet i Salon des Tuileries och Salon of Independents.

Natalia och Mikhail samarbetade vid fyra välgörenhetsevenemang i Moskva. De utvecklade båda det mesta av reklammaterialet för evenemanget.

4. Nyprimitivismens stil

Parallellt med rayonismen skrev Natalia i en stil som nu kallas neoprimitivism. Det var ett fenomen som tidigare hade ägt rum i Frankrike och på andra håll och verkar ha samband med en förändring av politiska, sociala och kulturella strävanden. Kombinerat med demokratiseringen av politiskt och socialt tänkande har det ofta funnits en tendens att försöka upptäcka den djupare karaktären hos nationella kulturer genom att vända sig till traditionell folk- eller bondekonst för inspiration. På grund av familjens kyrkliga bakgrund och det faktum att hon tillbringade sin ungdom på ett lantgård, skulle Natalia dras till traditionell religiös och folklig konst som en del av hennes bildande upplevelse och som bildkonst för sina landsmän. Detta var perioden då intelligentsia började se ikoner (ryska liturgiska bilder) som ett viktigt nationellt kulturarv. Den stora Romanov -utställningen med ikoner upphetsade många estetiskt känsliga människor.

Natalia har skrivit om religiösa teman i ett antal år och kände att ikonernas intensivt religiösa mening och mening är ett av de viktigaste målen för en konstnär att fånga i sitt arbete. De rika färgerna, bländande dekorativa effekterna och ikonernas mycket formaliserade och stiliserade karaktär har redan inspirerat henne att arbeta.

Detta ledde till att hon tog till ett sätt som inte var relaterat till akademisk praxis. Förutom att betona de platta, dekorativa kvaliteterna tycktes färgen ibland stänkas över ytan eller applicerades snabbt för en spontan effekt. Charmen och naiviteten, som tidigare sjöngs i Henri Rousseaus målning, dök upp i den ryska konstnärens verk och, vilket är mycket viktigt för henne, lånades från lokala källor.

5. Kubofuturismens stil

Mellan 1913 och 1914 dök kubofuturism, aspekter av de då moderna stilarna av kubism och futurism, upp i Natalias målning. Kubismen var känd för ryska konstnärer genom publikationer, utställningar och samlingar som Morozov och Shchukin -samlingar. Kubismen var ambivalent mot färg till förmån för en ny känsla av struktur-fragmentering och sammanhållning av form, vilket resulterade i en enhetligt animerad komposition där förhållandet mellan figur och mark elimineras.

Italiensk futurism hade också en följd i Ryssland under åren som föregick första världskriget.

Hennes futurism, liksom italienarnas, var full av färger. Känslorna av rörelse orsakades av rytmiska upprepningar av figurer eller linjer. Inkluderingen av färgade ord eller ordfragment som om de var från tecken och en del av miljön genom vilken personen passerade, bidrog ytterligare till denna uppfattning. Ljudvågor antyddes också av rytmiska effekter och ibland av användning av musikalisk notation.

6. De sista åren av livet

Natalia tillbringade resten av sitt liv i Paris, erkänd som en viktig medlem i stadens konstnärliga samhälle. Hon fortsatte att måla, men hennes mest anmärkningsvärda arbete var inom scenografi. På detta område blev både hon och Michael världsstjärnor. Natalia identifierade alltmer sitt arbete med Frankrike. År 1936 deltog hon och Mikhail i en viktig internationell teaterkonsttävling som hölls i Milano. De föredrog att ställa ut sina verk i den franska sektionen snarare än den sovjetiska sektionen, och när de vann silvermedaljen var det Frankrike som gick till dem.

Efter invasionen av Frankrike av Adolf Hitler våren 1940 befann sig Natalia och Mikhail under tysk ockupation. Under de svåra åren som följde lyckades de båda fortsätta sin karriär på teatern. Sedan påminde en utställning om deras partiska målningar i Paris allmänheten om deras framträdande roll i utvecklingen av samtidskonst vid sekelskiftet. Som vissa har hävdat, överträffade de två konstnärerna medvetet några av sina verk, ibland med mer än ett decennium, för att stärka sitt rykte som banbrytande konstnärer.

Mikhail drabbades av en stroke och makarnas ekonomiska situation, som aldrig varit särskilt bekväm, blev ännu mer otrygg. De överlevde delvis genom att sälja sina tidiga målningar. Natalia drabbades också av många fysiska besvär, inklusive en svår form av artrit, vilket gjorde det omöjligt att dra på ett staffli. Hon fortsatte att visa sitt engagemang för arbetet och placerade duken framför henne i en jämn position för att fortsätta manipulera borsten.

Natalia gjorde sitt sista försök till teaterdesign 57. Den bestod av kostymer och uppsättningar för en serie baletter i Monte Carlo. Ett år senare höll hon den sista utställningen av sin målning i Paris och visade ett tjugotal dukar inspirerade av den ryska uppskjutningen av rymdsatelliten Sputnik.

Paret plågades fortfarande av ekonomiska problem. Endast försäljningen av en betydande del av biblioteket och makarnas verk till Victoria and Albert Museum i London bidrog till att behålla sin solvens.

Natalia dog av cancer i Paris. På hennes gravsten stod det helt enkelt att hon var konstnär och målare. Mikhails död kom kort därefter. Han begravdes bredvid henne med samma inskription på hans gravsten.

Fortsätter temat måleri - sex världsledare som blev kända inte bara inom politikenliksom inom konst.